lunes, 29 de diciembre de 2014

LECCIONES DE VIDA: Lecciones de vida

DIEZ LECCIONES DE BUEN POP

Cuando las cosas se hacen con sinceridad y con el corazón en la mano siempre se nota. Tal es el caso de este puñado de canciones que sin que te des cuenta te envuelven y te atrapan desde el primer instante. Lecciones de vida es el nombre perfecto tanto para el grupo como para el disco ya que resume muy bien su trabajo; a lo largo de estos diez temas se analiza y se pretende explicar lo más complicado que existe: el amor.

Hay dos corrientes que se entremezclan en su repertorio, por un lado la balada en estado puro y por otro, canciones con un ritmillo contagioso que juega desplazándose entre el reggae y el pop. En el primer apartado entran piezas románticas y llenas de sensibilidad como las emotivas Cuando al corazón le mientes, La luz de tu eterna mirada y El trébol de mi suerte, y las tremendamente melancólicas Al despertar y Lo que puedo haber sido.

Las más rítmicas incluyen letras quizá más reflexivas, en ellas se hace casi un estudio filosófico sobre cómo son las relaciones de pareja, pero siempre de forma tan lúcida como amena. Destacan temas tan bien acabados como Belleza por naturaleza, Si esto fuera un juego, El acto de vivir y Somos agua. Y nos queda añadir una canción que navega muy acertadamente entre ambos estilos: Si yo volviera a nacer, que comienza con un tono íntimo y luego se descuelga con un estribillo de lo más goloso, además de tener una de las letras más exuberantes y cuidadas del disco.

En resumen, un auténtico canto al mundo de las relaciones, a las pequeñas vivencias, a los momentos que perduran, a los sentimientos, a la juventud… en definitiva a todo aquello que nos importa y que nos marca para siempre. Si te gusta vivir, te gustará Lecciones de vida.



domingo, 28 de diciembre de 2014

ALEX CASANOVA. Reseña de ANTAGONASIA

MELODRAMAS A RITMO DE SINTETIZADOR

El joven gallego se lo ha tomado muy en serio y para este álbum ha confeccionado una colección de ocho temas bien elaborados. Todos ellos suenan frescos, con estribillos contagiosos y letras que enganchan. Cada tema narra una crisis de pareja por diferentes motivos y están salpicadas de trozos de conversación, frases incisivas y un chorro continuo de emociones mezcladas.

La voz de Alex, casi siempre en una tesitura suave y casi susurrada, va desgranando cada historia con ese trasfondo de “tragedia adolescente”. El contrapunto lo ponen unos arreglos de teclados muy vivos y desenfadados. De ahí el nombre del álbum, Antagonasia, que define a la perfección esta combinación de sensibilidades.

Entre los títulos destacan por ejemplo ¡No puede ser! Que funciona como una perfecta introducción ya que es muy representativa del sonido que impera en el disco, lleno de referencias ochenteras y un ritmo electrofunky que impide escucharlo quieto. Lo mismo puede decirse de Ni una sola vez y del primer single extraído: Todo va a estar bien, cuyo sonido nos remite a Casal o a Olé Olé.

En cambio en Ciudad Carmín se rastrean huellas de The Human League, Pet Shop Boys o incluso Daft Punk. Luego tenemos las sofisticadas percusiones de Bocadillo de luna, la elegante producción de Lulú, y el tenso tira y afloja de los protagonistas de Yo no me muevo por dinero.


Y como colofón, la golosa Xeado de limón, que a primera escucha puede parecer algo intrascendente pero que en realidad encierra una ácida crítica contra las dietas extremas y la anorexia. En conjunto estamos ante un perfecto ejemplo de buen tecnopop hecho en nuestro país, con un sonido rutilante y unas letras dinámicas que merecen escucharse con atención.

martes, 9 de diciembre de 2014

SUSAN SANTOS: GUITARRA Y CORAZÓN

La cantante y guitarrista extremeña nos deleitará con su último concierto de este año el día 14 en la madrileña sala Clamores. Aprovechamos la coyuntura para hacerle esta interesante entrevista donde nos desvela algunas claves de su carrera.


¿Cómo y cuándo te metiste en el mundo de la música?

Di el paso para tocar la guitarra a los dieciocho años, y tuvo que ser de forma autodidacta ya que era mayor para ingresar en el conservatorio. Por aquel entonces escuchaba todo tipo de música pero no tenía aún un gusto definido hasta que un buen día descubrí el blues, luego los Beatles, los clásicos del soul, el country, la bossa nova…

¿Y cuál fue el siguiente paso?

Hace seis años decidí salir de Badajoz y dedicarme en serio a esto. Los primeros años fueron complicados, iba y venía continuamente pues impartía clases de guitarra en Extremadura. Más tarde, cuando por fin pude estabilizarme un poco, me afinqué en Madrid.

¿Cuáles son las influencias que marcan tu estilo?

Profesionalmente he tocado de todo pero para mi propio proyecto musical me he decantado por una música de raíces americanas: country, soul, blues y funk.

¿Tienes algún método concreto a la hora de componer tus canciones?

Ninguno en especial. Lo que sí que necesito es tranquilidad y tener mi guitarra a mano. A veces la música llega antes y otras siento que quiero contar algo, lo imprescindible es tener mi espacio y mi tiempo. Disfruto mucho haciendo las canciones y tocándolas luego en directo para ver la reacción.

¿Y qué historias cuentas en ellas?

Un poco de todo, en este último disco la temática es variada. Por ejemplo el single “Electric love” habla sobre mi guitarra y mi amor por la música, “Inner city” trata acerca de la soledad que se puede experimentar en una gran ciudad, y “Kaleidoskope” va dedicada a mi padre, fallecido poco antes de la grabación del disco.

¿Qué es lo que te gusta del trabajo en el estudio y el del escenario?

En el estudio se aprende mucho y te ayuda a evolucionar. Al principio sientes mucha ilusión por lo que acabas de grabar y te permite hacer autocrítica. El directo te da sobre todo experiencia para seguir y después aplicarlo la próxima vez que vuelves al estudio. Es un ciclo continuo.


¿Qué proyectos tienes a corto y a largo plazo?

Lo más inmediato el concierto en la sala Clamores de Madrid el día 14 de este mes. Un concierto que cierra este año y en el que habrá también algo de material anterior. Para el 2015 la idea es seguir componiendo y tocando mucho, también es posible que salga fuera.

FOTOS: SUSAN SANTOS





lunes, 1 de diciembre de 2014

2+ DESDE MÉXICO CON AMOR

2+ se rebela como uno de los grupos más punteros del nuevo electropop mexicano, y se presentan esta semana en Madrid dispuestos a hacerse un hueco en el siempre difícil mercado español. Este 2 de diciembre actuarán en la sala Costello, y aquí tenéis lo que nos contaron.



¿Cómo y cuándo se fraguó vuestro proyecto?

Fue en el año 2010 que Oswaldo y yo (Sergio) pulimos el concepto durante un viaje al Reino Unido. Vimos a numerosos artistas en Londres y nos gustaba la idea de crear una banda con voz femenina y un sonido bailable. Queríamos hacer electro, dance, música con influencias de los años 80 pero trayéndolo al presente.

¿Y cómo fue la búsqueda de esa voz femenina?

Hicimos castings y, a través de un amigo común, contactamos con Priscila, que vive en Texas. La llevamos a Guadalajara y al hacer la prueba enseguida nos encajó. De todos modos siempre hemos tomado nuestro proyecto de una forma relajada, sin demasiada seriedad, dejando que todo fluyera de manera natural y quizá por eso funciona.

Vuestro sonido es todo un cóctel de influencias ¿nos puedes revelar algunas?

Se puede definir como electropop y tiene además tintes de soul, jazz e incluso rock. Nuestro sonido en vivo es más duro que en el estudio, en el escenario las canciones cobran más energía.

¿Cuál es vuestra dinámica a la hora de componer?

El proceso en realidad es fácil y rápido. Tenemos siempre muchas ganas de crear y en cualquier momento surge una melodía en mi cabeza que inmediatamente grabo en mi móvil. Luego me meto con el teclado, la guitarra o el ordenador para perfilar la melodía. Lo último es siempre la letra.

¿Y de qué tratan las letras de 2+?

El tema del álbum es el amor en todas sus vertientes: la pareja, el reencuentro, la separación, etcétera. En México ha funcionado muy bien sobre todo entre un público que oscila entre los quince y los treinta y cinco años.

¿Qué conocéis de la música española?

Tenemos muy buenas referencias, incluso hacemos una versión de Lobo-hombre en París. Una gran influencia para nosotros es Mecano, un grupo que sin duda nos marcó. También otras bandas como Nacha Pop o Radio Futura.

¿Y en qué andáis metidos ahora?

Pues estamos centrados en las actuaciones que tenemos esta semana en Madrid. Estuvimos aquí haciendo promoción en enero pero en esta ocasión tocamos en directo por primera vez, y es algo que nos emociona. Creemos que es la mejor manera de presentar nuestra música en España.

FOTOS: 2+


martes, 25 de noviembre de 2014

ADOSVELAS: RITMOS DEL SUR

El veterano trío jerezano se detiene unos minutos para contarnos sus andanzas a ritmo de rumba y ponernos al día de una carrera musical que lleva ya dos décadas funcionando.

¿Cómo fueron los comienzos de Adosvelas y por qué ese nombre?

Empezamos a principios de los noventa cuando estudiábamos en Salamanca y, como buenos estudiantes, estábamos siempre “a dos velas”. Durante el verano cantaba en los bares del Puerto de Santa María con mi hermano y un amigo, luego grabamos una maqueta y así empezó la cosa.

Vuestra línea musical es una mezcla de estilos que van desde el bolero hasta la rumba,  pasando por el flamenco y la salsa ¿Vosotros cómo la definiríais?

En principio tomamos o componemos canciones románticas que llevamos al terreno de la rumba, un ritmo fácil y pegadizo que no hace perder a los temas su calidad melódica.

¿Qué es lo que valoráis en una canción a la hora de incluirla en vuestro repertorio?

Sobre todo tiene que tener un mensaje, nunca grabamos los temas por grabar. No nos gustan las letras facilonas ni manidas, buscamos algo de profundidad y fundamento en las canciones.

¿Qué público es el vuestro? ¿Alguna franja de edad concreta? ¿Tanto hombres como mujeres?

El abanico es amplio, conseguimos llegar tanto a niños como a adultos. Pero sí que es cierto que nuestro público es mayoritariamente femenino, pero de todas las edades ya que la temática de amor y desamor interesa a todos y nuestra música es sencilla y accesible para cualquiera.

¿Es difícil mostrar la música andaluza fuera de vuestra comunidad?

Creo que no, que la reciben bastante bien. El nuestro es un estilo que suena alegre y resulta fácil entrar en todas partes, aunque como es lógico, es en el sur donde mejor lo entienden.

¿Qué proyectos inmediatos tenéis?

Ahora mismo seguir de lleno con la promoción en todo el país y en breve nos vamos a Colombia y Ecuador, donde hemos cosechado un importante éxito con nuestros últimos discos. El público latino es muy caluroso y agradecido con todo lo que llega de España.

FOTO: ADOSVELAS




LOS BRINCOS: 50 AÑOS DESPUÉS

Una de las bandas con más solera de nuestro país cumple medio siglo de existencia, motivo que nos sirve de excusa para acercarnos a Los Brincos y que nos cuenten cómo viven su momento actual y hacer un breve balance de su carrera.


¿Qué sensación os produce volver la vista atrás y recordar vuestros comienzos?

Mucha alegría, nos acordamos de los socios fundadores (Fernando Arbex, Juan Pardo y Junior), las colas de fans agolpándose en los portales, hacer el primer directo emitido por televisión en España… y también muchas anécdotas como la de presentarnos en el concierto de los Beatles en Las Ventas vestidos con nuestras capas y despertar la curiosidad de su mánager.

¿Por qué creéis que hay tanta gente joven, que no vivió vuestra época, que se siente también identificada con vuestras canciones?

El repertorio de Los Brincos es hoy por hoy un clásico, un estándar permanente y no una moda pasajera. Además el grupo tiene un directo muy potente que asombra al público y es frecuente que nos vengan “los de antes” con lágrimas en los ojos diciendo “nos habéis devuelto la juventud”.

¿Creéis que el pop español actual sigue bebiendo de los años sesenta?

Sin duda que sí, y además se hacen muchas versiones de temas de entonces. Aunque lo de ahora es mayormente un pop más moderno pero equivalente a lo que hubo en nuestra época. Los Brincos han influenciado sobre todo a músicos de la misma quinta que aún hoy continúan en activo.

¿Y en vuestro tiempo libre qué música es la que escucháis?

Pues nos decantamos más por la música de antes, también jazz fusión y rock sinfónico. Existe una creciente demanda de una música así y probablemente vuelva a hacerse ya que el pop va siguiendo un ciclo.

Si tuvieseis que empezar de nuevo ¿qué haríais de forma distinta?

Nada, estamos muy satisfechos de cómo nos ha ido todo. Lo que sí es verdad es que hoy sería mucho más difícil porque antes los grupos recibían el apoyo de las discográficas, que apostaban más por los artistas. Ahora se tiene la impresión de que el arte está condenado.

Algunas cadenas de televisión, como Tele5 o Antena 3, jamás han tenido un programa netamente musical en su parrilla (y llevan funcionando desde 1990) ¿Por qué creéis que interesa tan poco la música en la pequeña pantalla?

La televisión solamente busca audiencia y por eso la música tiene tan poco protagonismo. El dios “share” es quien lo controla todo y, frente al auge de otro tipo de programas, los musicales se encuentran en una espiral negativa.

¿Cómo tenéis el calendario de conciertos y qué posibilidades se barajan de hacer un nuevo disco?

Estamos de gira por todo el país, los días 9 y 10 de diciembre haremos sendos conciertos homenaje en el teatro La Latina de Madrid para celebrar el 50 cumpleaños del grupo y en febrero nos vamos a América.
En cuanto a lo de sacar material nuevo, la idea ha partido del propio Juan Pardo que, desde su “retiro espiritual” en Galicia, nos ha llamado para comentarnos que está componiendo nuevas canciones para Los Brincos. Así que probablemente habrá disco para el 2015.

FOTO: JAVIER LEÓN








domingo, 16 de noviembre de 2014

LECCIONES DE VIDA: EL POP QUE VINO DE LAS ISLAS

Desde Mallorca nos llega esta joven banda que poco a poco está conquistando el archipiélago y empezando a hacerse un hueco también en la península. Aprovechamos una de sus escapadas a la capital para hacerles esta jugosa entrevista.

¿Cuál es el origen de “Lecciones de vida”?

En principio eran Julio y Sergio quienes tocaban juntos en grupos durante el verano y luego, tras decidir que queríamos componer temas originales, Sergio llamó a Juan para que se uniera también a la formación.

Aparte de dedicaros a la música, cada uno de vosotros tiene su propio trabajo ¿es difícil compaginarlo todo?

Sí que es duro trabajar durante toda la semana y al llegar el viernes salir de viaje y a tocar. Es complicado pero, como se suele decir, sarna con gusto no pica. Además estamos muy motivados porque la gente está respondiendo y hay emisoras de radio que nos apoyan.

¿Cómo definiríais vuestra música y qué artistas os han influido?

Pues hay dos claras tendencias, por un lado Juan y Julio se decantan por el rock, mientras que Sergio, el vocalista, se identifica más con el pop melódico de artistas como Diego Torres, Luís Fonsi o Sin Bandera. Al unir sus talentos decidieron adecuar su sonido a la voz del solista.

¿A qué audiencia va dirigida vuestra música?

En principio es un pop asequible para todo el mundo y cualquiera puede sentirse identificado con nuestras canciones pero lo cierto es que quienes más nos escriben son las chicas de entre 12 y 30 años, nuestro estilo suele a menudo encasillarse entre este tipo de público.

¿Cómo fue vuestra campaña de crowdfounding?

La verdad es que salió a pedir de boca, las donaciones oscilaban entre los 6 y los 500 euros, y conseguimos reunir exactamente lo que necesitábamos para la grabación del disco, cuya producción ha sido cara pero está al nivel que queríamos. Para el tema de la promoción nos vamos bandeando a través de las redes y las radios. Además destinamos un porcentaje de lo recaudado a una campaña de lucha contra el cáncer infantil de la asociación Alba Pérez.

¿De qué habláis en las letras de vuestras canciones?

Principalmente de amor y desamor pero también se tocan otros temas como la convivencia, la amistad, la nostalgia… e incluso tenemos una canción dedicada a la memoria de Alba, la niña víctima del cáncer.

¿Qué creéis que pasa actualmente en la industria discográfica?

Vivimos un momento especialmente complicado, tanto para vender discos como para promocionarlos. Las compañías sólo te pillan si ya de antemano vendes. El mercado se ha convertido en un círculo cerrado en el que únicamente funcionan los que ya lo hacían antes de la crisis del sector. Artistas nuevos que alcancen el éxito hay solamente dos o tres, aunque muy escogidos y de indudable calidad, como es el caso de Vetusta Morla o el de Pablo Alborán.

¿Algo que queráis decirle a nuestros lectores?

¡Que escuchen el disco! Lo pueden encontrar en las plataformas (itunes, spotify, google play…) y que opinen. Pueden contactarnos a través de Facebook, nos interesan todas las opiniones.


FOTOS: LECCIONES DE VIDA




sábado, 15 de noviembre de 2014

NO SUGAR. Reseña del disco de UKELELE CLAN BAND

SABOR AUTÉNTICO

Sin aditivos ni conservantes, la música de Ukelele Clan Band se mantiene fresca y lozana desde que el grupo se fundara en Colmenar Viejo en el año 2009. Y tras las buenas críticas cosechadas por su anterior trabajo vuelven a la carga con un nuevo álbum donde una vez más despliegan sus armas (desde la armónica hasta el banjo, pasando por el acordeón, la guitarra y la melódica) para recrear ese sonido tan especial, mezcla imposible de muchas referencias entre las que destacaremos el folk y el rock.

En este nuevo ramillete de canciones la banda se mueve a gusto en registros bien distintos. Encontramos la brillantez del sol y un entusiasmo contagioso en temas como Hello hello, The further the better o Aloha en los que los arpegios de Ukelele son, como viene siendo habitual, el sello de la banda. En otros cortes como Revisited o Dear dog nos envuelve ese sonido genuino que parece traído de lo más recóndito de la América profunda; un aire campestre que evoca la imagen de caballos galopando por inmensas praderas, vacas pastando, balas de heno y una buena botella de whisky.


En cambio es en temas como Forevermore o Slacker donde nos sorprenden con una interpretación dramática, y la voz se convierte en un solitario lamento que se desliza al ritmo cadencioso de unos oscuros acordes. En resumen, un disco hecho con dedicación y esmero, disfrutando del trabajo conjunto, algo que se trasmite en todo momento y que es muy de agradecer en los tiempos que corren.

lunes, 10 de noviembre de 2014

ALEX CASANOVA: ANTAGONISMOS BIEN AVENIDOS

A sus 24 años, Alex es un gran conocedor de la música de los ochenta y noventa y bebe de ella para crear su primer álbum consiguiendo un disco atemporal y sorprendente.

¿Cuáles han sido exactamente las influencias que has aglutinado en tu primer trabajo?

Escucho cosas muy ochenteras como Objetivo Birmania o Mecano. Al no haberme criado en aquella época los veo de otra forma y profundizando es esta música he conseguido descubrir algo muy  fresco.

¿A qué edad empezaste a cantar y componer?

Llevo cantando desde que era niño y hace ya unos diez que toco varios instrumentos. Pero llegó un momento en que me di cuenta de que quería hacer pop, canciones con estribillo y letra.

¿Cuál es la temática de tus canciones y a quién van dirigidas?

La verdad es que mis letras suelen ser muy directas pero procuro también que sean lo bastante ambiguas como para que cada persona las pueda interpretar a su manera y hacerlas suyas. La temática es algo oscura ya que hablan de cosas que a uno le afectan seriamente y así dejo salir cierta rabia que me permite soltarlo todo. Sin embargo la música es muy alegre, de ahí el título de “Antagonasia”, una palabra inventada que expresa a la perfección este contraste.


¿Y el tema de la imagen cómo lo llevas?

Me gusta cuidarla en lo que se refiere a “mi personaje”. El Alex artista no es exactamente igual a mí. Yo soy mucho más tímido pero gracias a la música consigo expresar mejor lo que llevo dentro. Cuando salgo a actuar me muestro con mucha más cercanía a la gente de lo que lo hago en mi vida personal, en la que necesito primero coger confianza.

¿Qué opinas del panorama musical actual en nuestro país?

Hay que cambiar el chip de la industria y la forma de trabajar. Hoy no resulta tan complicado ni tan caro grabar un disco y ofrecerlo al público. Pero ahora es la audiencia la que tiene que filtrar todo lo que le llega. En medio de esta vorágine, lo que ayuda es ser peculiar y desmarcarse de lo que hacen los demás para poder destacar de algún modo.

¿Nos cuentas tus proyectos más inmediatos?

Ahora mismo promocionar “Antagonasia” intensivamente; en breve saldrá más material audiovisual y haré la presentación el próximo 10 de diciembre en la sala Sónar de Santiago de Compostela. Luego tocará preparar la gira.

FOTOS: ÁNGEL PARDAL

martes, 4 de noviembre de 2014

JOSE ANTONIO GARCIA Y EL HOMBRE GARABATO: FUSION DE TALENTOS

JOSÉ ANTONIO GARCÍA:
AL PIE DEL MICRÓFONO



En el pasado has sido el vocalista de varias bandas, incluyendo la ya mítica 091, ¿cómo y por qué has dado el paso a una carrera en solitario?

Para poder decidir mi propio destino, lo cual no deja de ser un arma de doble filo ya que si acierto o me equivoco seré yo el único responsable. De todos modos siempre me ha gustado actuar arropado por una banda y de ahí mi actual colaboración con “El hombre garabato”.

¿Cómo surge esta colaboración?

Yo tenía su segundo disco y me di cuenta enseguida que era una buena banda y que hacían muy buenas melodías. Me llamaron para colaborar en un acústico y ese fue el punto de partida para una serie de conversaciones y  que empezáramos a idear cosas juntos.

Sorprende la alta calidad de las canciones, ¿cómo te hiciste con un repertorio así?

Pues la cosa fue muy rápida. Tenía el proyecto de hacer un disco con artistas granadinos y antiguos compañeros. El primer single es un tema compuesto por Nico y Óscar (El hombre garabato), y también hay algo de Toni Guerrero (guitarrista de Guerrero García). Todo el repertorio ha sido cuidadosamente escogido y trabajado.

¿Qué echas en falta en el panorama actual del pop-rock nacional?

Hoy por hoy cuesta mucho trabajo sacar proyectos adelante. Hay bandas con ganas pero no hay forma de acceder al mercado, solamente los artistas establecidos siguen funcionando. Y hay en nuestro país una creciente cultura de “no pagar por la música”, amén de que la industria la ha dejado muy de lado para centrarse en vender otro tipo de productos.



EL HOMBRE GARABATO:
EL POP QUE VINO DE GRANADA

¿Cómo se formó “El hombre garabato”?

En principio estábamos solamente Nico y Óscar haciendo cosas como un EP, un disco en Madrid y otro en la Alpujarra con Miguel Ríos. Un tiempo después terminamos por  constituir una banda estable con el resto de músicos donde las decisiones se toman entre todos.

¿Qué artistas os han influido a la hora de crear vuestro estilo?

Muchos, desde 091 hasta Wilco. Además nos gusta mucho reproducir el sonido genuino de los sesenta, sobre todo aquellos coros tan cuidados y coloristas.

¿Qué tal funcionan en Granada los locales para conciertos, concursos y otras oportunidades de mostrarse al público?

Apenas existe una infraestructura de salas que lo permita, cuesta mucho trabajo salir. Pese a todo Granada es una ciudad propicia para la música y la cultura se concentra. Sigue habiendo gente con ganas de hacer cosas.

¿Cambian mucho vuestras canciones desde la idea original hasta lo que finalmente grabáis?

Primero Óscar crea la melodía y Nico se ocupa de la letra. Luego en el local de ensayo va tomando forma con las aportaciones de cada uno. A veces el resultado varía sensiblemente pero siempre al gusto de todos.

¿Y a la hora de llevarlas al escenario?

Pues no existe una gran diferencia puesto que hemos querido grabar este disco casi “en directo”, de hecho algunas tomas iniciales se han quedado tal cual. Tanto el ingeniero de sonido como el productor estaban con nosotros en la idea de hacer un disco lo más auténtico posible.

Para este álbum habéis contado con algunas colaboraciones de lujo ¿nos destacáis agunas?

Ha sido emocionante para nosotros poder contar con gente con tanto talento como Lapido, Guerrero, Antonio Arias o Eric de Los Planetas. Gracias al trabajo de todos hemos conseguido un disco con dos identidades pero coherente de principio a fin.

FOTOS: CUESTION DE MEDIOS


RED OBLIVION: EL LADO OSCURO DEL ROCK

Han sido definidos como una de las bandas más prometedoras del nuevo rock alternativo norteamericano, lo cierto es que más que promesa ya son toda una realidad. Red Oblivion visitan España para presentar My Friend Fear, un enérgico EP con cinco temas llenos de fuerza y emoción.

¿Cómo se formó Red Oblivion?

Nos conocimos estudiando en la Universidad de Berklee, y quienes decidieron reclutarnos para hacer un grupo fueron un profesor y un productor. Tras varias reuniones con ellos para perfilar la línea a seguir, quedó claro que seríamos una banda de rock.

¿Cuáles son vuestras influencias?

Nuestras influencias son muchas y muy variadas. Van desde Queen hasta Radiohead, pasando por The Killers, Against Me! o Dinosaur Jr. Incluso hemos tenido la suerte de poder trabajar con los mismos productores que algunos de ellos.

¿Cómo definiríais vuestro nuevo trabajo?

Nuestra intención con este disco es conectar con la generación joven actual y su compleja problemática en todos los ámbitos: el amor, el exceso de medicación… en fin,  la locura de los tiempos que nos ha tocado vivir.

La temática de vuestras letras es a menudo oscura ¿es algo premeditado o simplemente os sale así?

Aunque me considero una persona alegre (habla Zach, el vocalista del grupo) lo cierto es que crecí en un entorno hostil ya que mi infancia estuvo marcada por el problema de drogodependencia que sufría mi madre, a la cual dedico una canción del disco titulada Heart of Hearts. Mi vida es una constante lucha contra el gen de la adicción y quizá eso influya de alguna manera en mis letras.

Vuestro videoclip “My friend fear” tiene un gran despliegue visual ¿fue vuestra la idea?

Le conté el proyecto a un director amigo mío (habla Emma).  La idea era plasmar el artwork del disco en el vídeo, aparte de ilustrar el concepto del tema. Él se encargó de buscar  animadores para los dibujos, y contamos con el jardín de su casa para las escenas “en el bosque”.

¿Cuál es vuestro proceso a la hora de crear las canciones?

Normalmente Zach viene al local con una melodía a la que vamos añadiendo unos arreglos de guitarra y luego Carson se acopla con la batería, así vamos poco a poco ensamblando cada parte. Para las letras lo habitual es partir de una idea y luego ir encajando frases hasta rematarla.

¿Qué diferencias vamos a encontrar entre vuestro disco y vuestros conciertos?

A diferencia de las actuaciones en vivo, el trabajo en el estudio es más creativo y relajado, es un verdadero placer, sobre todo una vez que está terminado y los resultados son los que uno quería. Pero hay que saber dónde parar porque de lo contrario en vez de acabar el disco, es él el que acaba contigo.

¿Cómo veis la escena rock actual?

¿La escena rock actual? ¡No existe! (es Carson quien bromea). Realmente es muy pequeña debido quizá a que los géneros musicales se hallan muy divididos. Nosotros definimos nuestro estilo como Heavy Rock Alternativo. Lo cierto es que el rock no vive su mejor momento, se encuentra eclipsado por la EDM y la electrónica, que generan mucho más dinero (es impresionando lo que un dj puede llegar a cobrar sólo por ir a pinchar) de modo que es difícil ahora mismo abrirse camino en el mercado haciendo el tipo de música que hacemos, pero por supuesto que no nos vamos a rendir.

¿Y cuáles son vuestros proyectos inmediatos?

Ahora volver a USA para una serie de actuaciones pero regresamos a España en 2015 para participar en algunos festivales, y luego a Latinoamérica. Además seguimos  componiendo temas para nuestro próximo disco, algunos de los cuales incluimos ya en nuestros conciertos.

FOTO: JAVIER LEÓN










sábado, 18 de octubre de 2014

WHISKY CARAVAN PRESENTÓ SU PRIMER ÁLBUM EN LA SALA LA BOITE

BUENAS VIBRACIONES

El concierto tuvo muy buen arranque con Nadie tiene corazón y rápidamente se ganó al público, que no paró en ningún momento de aplaudir cada canción hasta los bises finales. Danny Caravan se revela como un líder carismático y que se saber mover con seguridad en el escenario. El grupo al completo tiene presencia, su sonido es muy compacto, los malabares de batería, las poderosas guitarras y el perfecto empastado de bajo y teclado redondean el sonido de la banda.

Los temas rítmicos y las baladas atmosféricas se turnaron para mantener a la audiencia enganchada. Uno de los momentos estelares fue, como era de esperar, la interpretación de Volver, el primer single extraído del disco, que hizo corear a voz en grito a todos los asistentes. Aparte de desglosar los temas del álbum también hubo tiempo para alguna que otra sorpresa no incluida en el mismo.

En resumen, una excelente velada del mejor pop-rock protagonizada por uno de los grupos más creativos del momento, que agradecieron con palabras y con canciones la excelente acogida que están recibiendo en todas partes. Y la cosa no ha hecho más que empezar, será cuestión de seguirle la pista a la caravana.

FOTO: EDUARDO GRAGERA





martes, 7 de octubre de 2014

CELEBRATION DAYS Reseña del disco de Judith Mateo

CELEBRANDO EL ROCK

Judith sabía que podía hacerlo y decidió darse el gustazo. El de hacer un disco a su medida versionando todos aquellos clásicos que más le gustaban, eso sí, llevándolos a su terreno. Y el disco no tiene desperdicio.

En él encontramos desde el Bring me to life de Evanescence hasta el Walk this way de Aerosmith. Todo un paseo por la historia viva del rock a través de un total de diez canciones inmortales de las últimas décadas que la violinista interpreta a su manera, sabiendo sacar partido a su instrumento y a las inspiradas melodías que forman ya parte de la banda sonora de nuestras vidas.

Entre los momentos más álgidos del disco destacan una acertada reinvención del Sympathy for the devil de los Rollings con unas percusiones más que contundentes, un We will rock you que estoy seguro que deleitará al mismísimo Bryan May, y una puesta al día del clásico Highway to hell que pone el listón bien alto.


Judith Mateo sabe que su público es tan exigente como ella misma y una vez más ha vuelto a poner toda la carne en el asador para ofrecer un álbum lleno de fuerza y virtuosismo. No esperábamos menos de ella.

miércoles, 1 de octubre de 2014

DONDE ELLA DUERME Reseña del disco de Whisky Caravan

WHISKY ON THE ROCK

Donde ella duerme suena bien. Suena a puro rock and roll, suena a guitarras muy pulidas, suena a arpegios atmosféricos, suena a teclados sinuosos y casi etéreos. Y por encima de todo ello la voz de Danny Caravan, sugerente, hipnótica y con tintes épicos. Whisky Caravan promete cubrir un hueco que ninguna otra banda parece ser capaz de llenar ahora mismo en el panorama nacional, ya va siendo hora de que los descubras.


Once canciones (más un hidden track de propina) conforman este primer larga duración del grupo. Y hay que decir que conocen muy bien el terreno que pisan. Las canciones están perfectamente arropadas por unos arreglos clásicos pero eficaces que consiguen que de alguna manera el disco suene atemporal y a la vez tremendamente actual. Las letras evocan encuentros y desencuentros, cuentan historias personales con las que cualquiera se puede sentir identificado enseguida ya que están llenas de tensión y de sentimientos violentos que Danny sabe muy bien cómo expresar.

Tengo que decir que mi corte favorito es Hacia ningún lugar, un medio tiempo espectacular que para mí es el momento más álgido del todo el álbum. También son dignas de destacar Nadie tiene corazón, La suerte que has tenido y Chica carmín, cada una en su estilo, pero todas ellas directas, contundentes y plagadas de frases lapidarias. Estamos convencidos de que la propuesta de Whisky Caravan no caerá en saco roto.




A PULMÓN Reseña del disco de El Chamuyo

DÁNDOLO TODO

Cuando un disco está hecho con ganas se nota rápidamente. El Chamuyo se ha volcado en lograr que su segundo álbum sea tan bueno como el primero. Dentro de eso que se ha dado en llamar “world music”, quizá una etiqueta que engloba demasiadas cosas, ellos son sin duda quienes marcan la pauta en nuestro país. Su cóctel tiene gran cantidad de ingredientes que van desde el reggae, el ska, el pop, la salsa, el tango y ni se sabe cuántas más, hasta lo que se les ocurra añadir, pues su receta parece estar siempre abierta y descubres que se ha usado alguna nueva especia en el siguiente track del álbum.

A pulmón se escucha precisamente así: a pleno pulmón. Respirando profundamente para captar todos los aromas que desprenden estas canciones repletas de mensaje y también de ritmos potentes y muy contagiosos. El primer single Cuentos que contar define muy bien cuál va a ser la línea del disco. Temas como Nene, No te banco o Chan Chan son un puro reflejo de los días que nos toca vivir, mientras que Lo que me pasa con vos, Chau loco o Take it easy se inclinan más por filosofar un poco acerca de los sentimientos pero siempre de esa forma peculiar que constituye su sello personal.

Dicen que cuando la economía va bien, el artista se vuelve acomodaticio y su obra peca de anodina y vulgar, mientras que en época de crisis (léase la actual) el ingenio se agudiza y el arte se torna más creativo y combativo que nunca. El Chamuyo se apunta a esta tendencia ofreciéndonos un repertorio tan positivo como inconformista, lleno de momentos de euforia salteados con instantes introspectivos; en su oferta encontramos ocasión para pegar botes y  también para meditar.


martes, 30 de septiembre de 2014

CUATRO TIROS POR CABEZA Reseña del disco de José Antonio García y El Hombre Garabato

JOSÉ ANTONIO GARCÍA

Una voz incombustible

Cuando oí por primera vez (y yo era muy joven) El hombre invisible, quedé vivamente impresionado. Aquel ritmo palpitante, aquella letra que me intrigaba y sobre todo aquella voz tan personal, se me quedaron grabadas  para siempre. José Antonio García era por aquel entonces el vocalista de 091, una de las pocas bandas que, sin ser de la capital, lograron descollar en la movida madrileña. Ellos venían de Granada y traían un soplo de creatividad procedente del sur con visos de convertirse en algo consistente y duradero, como así fue.

Lejos de aquella época (en el tiempo, que no en espíritu) José Antonio publica ahora en solitario un nuevo proyecto donde en realidad no está solo. Le acompañan El Hombre Garabato en la otra cara del vinilo, y unos excelentes músicos y compositores que han pergeñado para la ocasión un puñado de canciones que nadie debería perderse.

A punto de estallar es un autorretrato duro y descarnado. Algo más amargo pero igual de combativo resulta Julio del 36, el bonus track de la edición en CD. Los tres temas restantes son piezas maestras de puro pop con letras directas y ritmos que nos traen reminiscencia de décadas pasadas. Mírame nos remite a la psicodelia setentera, No puedo prometerte nada más es un perfecto ejemplo de “pop de manual” y Nubes de colores pone la nota “happy” al disco. Escuchar estos temas es como viajar en el tiempo porque, francamente, ya no se hacen canciones así.


EL HOMBRE GARABATO

Siempre nos quedará Granada

Mencionar la tierra de la Alhambra trae enseguida a la mente ecos de Miguel Ríos, 091 o La Guardia. Y para mí, que también soy andaluz, es una grata noticia el poder constatar que la escena granadina sigue en plena forma. Un caso evidente es el de El Hombre Garabato, una banda sólida que no ha parado de crecer en cada nuevo proyecto. Los cuatro “tiros” que disparan en este álbum han dado definitivamente en el blanco.

Abren su cara del disco con El desastre, cuya contundente caja a tierra hace que mi pié no pueda estarse quieto mientras escribo esto. De tripas corazón es una confesión llena de rabia contenida, mientras que La explosión destila un conformismo cínico que le deja a uno en un estado de ánimo extraño. El bloque se cierra con Otra vez, la más sesentera de las cuatro y la única en la que se permiten dar rienda suelta a un cierto romanticismo.

Todo un despliegue de buen pop, muy cuidado y bien producido pero sin perder en ningún momento su frescura. Hay además un ingrediente común en las cuatro canciones  que no pasa desapercibido; me estoy refiriendo a  esos impecables coros llenos de “nananás” y “lalalás” tan efectivos y pegadizos que harían palidecer de envidia a la mismísima Kylie Minogue.

 

domingo, 28 de septiembre de 2014

SOSTENIBLE, LO DICEN LOS ASTROS. Reseña del disco de CARPACCIO BIT

UN BUEN PLATO DE FUSIÓN

Desde el principio Sostenible, lo dicen los astros se revela como un disco  agradablemente fácil de escuchar. La instrumentación es rica sin ser recargada y la simbiosis de pop, jazz, blues y un “no se sabe bien qué” funciona en todo momento. De modo que las seis canciones que conforman este ep se deslizan casi sin sentir pero dejando un poso que se degusta durante mucho rato aun después de haberlo digerido.

De entrada llaman la atención las letras. Entre lo surrealista y el discurso social, la banda desgrana una serie de temáticas, tanto actuales como perennes, que despiertan una complicidad inmediata y provocan que se las escuche con avidez. Desde el cinismo agridulce de Circunstancias hasta el canto de esperanza de Dulces y golosinas, pasando por la nostalgia de ¿Los años volverán? y la intensidad de Tirantes de papel vemos que no hay ninguna canción de relleno. La voz franca y urbana de David Mas y la atmósfera creada por los músicos invitan a dejarse llevar. No hay ritmos frenéticos ni gritos altisonantes, Carpaccio Bit se decanta más por un sonido envolvente y una interpretación que bebe principalmente de la vieja escuela de cantautores.

Un experimento cuyo resultado estamos seguros ha debido sorprender a los propios integrantes de la formación. La suma de sus respectivas sensibilidades ha dado como fruto un trabajo sólido que debe ganar aún más puntos en su versión en vivo y del que esperamos más en el futuro puesto que seis temas nos han sabido a poco.





VUELA CONMIGO. Reseña del disco de Carmen Nuño

Carmen es la reina indiscutible de la rumba hecha con elegancia y con clase. Su último álbum despliega un abanico de canciones envolventes y sugerentes que invitan tanto a mover los pies como a escucharlo relajado con los auriculares a media voz para disfrutar de su timbre cálido y aterciopelado.

Dos características destacan rápidamente en este disco y son, por un lado la melancolía de amores rotos que no se terminan de curar y por otro la constante nostalgia de una Sevilla llena de encanto y de rincones inolvidables. Esa dulce tristeza que destilan la mayor parte de estas canciones se te mete dentro rápidamente transportándote a una Andalucía eterna que forma parte de todos los que alguna vez hemos estado allí.

Desde las evocadoras Sevilla y tú, Sólo Sevilla y Sur que son un canto a la misma esencia de la tierra que le vio nacer, hasta el romanticismo desbordado de Sin ti no habrá primaveras, Vuela conmigo y No renunciaré. De principio a fin, cada canción seduce tanto por sus cuidadas letras y melodías como por la impecable producción. Un trabajo hecho con profesionalidad y con corazón donde las guitarras, las percusiones y cada arreglo están perfectamente medidos para en todo momento engalanar la voz de Carmen que brilla de forma rutilante y que demuestra encontrarse en su mejor momento.



viernes, 19 de septiembre de 2014

CARMEN NUÑO: CON VOZ PROPIA

Carmen Nuño es una artista con una intensa trayectoria a sus espaldas. Empezó de pequeña a bailar pero una enfermedad la apartó durante años de esa vocación y entonces se descubrió a sí misma como cantante. Actualmente combina su carrera musical con su propia academia de baile.

AGDE: ¿Cómo definirías tu estilo?

CN: Combino muchos elementos que he ido tomando inconscientemente de aquí y de allá, mis influencias van desde la copla hasta el flamenco. Son referentes para mí artistas como Bambino, María Jiménez o Isabel Pantoja.

AGDE: ¿Y en los tiempos que corren, cómo ves el panorama para este tipo de música?

CN: La mayor parte de la música que triunfa es la que demanda la juventud con lo cual el folklore desgraciadamente queda reducido a algo minoritario y que se vende poco. Además las nuevas tecnologías por un lado son un apoyo para la industria del disco pero por otro la perjudica.

AGDE: ¿Es difícil sacar adelante la promoción?

CN: Mucho, nos ha llevado mucho tiempo poder meter la cabeza en la radio y más aún  en televisión. Actualmente se le da prioridad a otras cosas en la pequeña pantalla; considero que la música es un arte y no un medio para hacer dinero o una vía de escape.

AGDE: ¿Qué diferencia tu nuevo disco del anterior?

CN: Mi anterior trabajo A mi aire era una recapitulación del repertorio que durante años había ido desgranando en los escenarios, grabado en una sola toma y con los músicos tocando a la vez. Mi nuevo lanzamiento Vuela conmigo es un disco compuesto de temas propios escritos por grandes autores como Pepe Roca o Eduardo Palencia. Además cuenta con la colaboración de lujo de María José Santiago.

AGDE: ¿Y por qué razón lo recomendarías?

CN: Porque está lleno de sentimiento, ofrece una música diferente y que transmite. Contiene unas canciones preciosas con historias vividas, lo cual lo convierte en un disco tremendamente personal.

AGDE: ¿Cuáles son tus proyectos inmediatos?

CN: Ahora mismo preparar el programa de un espectáculo para teatro que se estrenará en diciembre y que consiste en una “zambombá flamenca” en la que volcaremos al flamenco los villancicos de toda la vida.

FOTO: JAVIER LEÓN

miércoles, 17 de septiembre de 2014

DEBE DE SER ESTO LA FELICIDAD - Carlos de France

TECLAS, CUERDAS Y VERSOS

Carlos regresa con nuevo disco bajo el brazo. Un disco que desafía los convencionalismos que cualquiera podría esperar de un cantautor. Quizá su extenso bagaje como productor y compositor de canciones de muy diversa raigambre le han curtido permitiéndole desarrollar una sensibilidad que se desenvuelve con igual soltura evocando los estándares anglosajones (El regalo, In love) que recreándose en un pop de sonido más patrio, casi latino (No sé por qué aún te quiero, Besos guardados).

Lo cierto es que, aparte del despliegue de ritmos y estilos que aderezan el álbum, es de agradecer el gran esfuerzo del artista para lograr un ramillete de nada menos que trece canciones en las que cada una aborda una temática absolutamente distinta. Así iniciamos el recorrido con El centinela, un tema cuya melancólica composición y el sencillo pero efectivo ritmo de base recuerda de alguna manera al Streets of Philadelphia de Springsteen. Esta tristeza suavemente destilada se percibe también en otros temas como El bufón y El regalo.

Otros cortes son sin duda más animados en cuanto a ritmo pero sus letras tienen un alto contenido de nostalgia y hasta de cinismo. Tal es el caso de El cartel de no molestar y Me da igual. Algo de eso también hay, aunque con diferente sabor, en la evocadora Rockola. Por último, el artista desnuda su alma en temas tan elocuentes como Morir en el armario (quién le iba a decir que un título sugerido por otra persona le podría ir tan al pelo) y Turno de noche, emotivo colofón para el disco que narra una historia que viene a ser algo así como la versión urbana de Lady Halcón.



Un paseo que va de lo trascendental a lo cotidiano, a veces incluso entremezclando una cosa y otra. Un disco ideal para aquellos que gustan de canciones que realmente digan algo.

CARLOS DE FRANCE - DE COMPOSITOR A CANTAUTOR

En los ochenta Carlos pellizcaba el bajo en la numerosa formación original de Objetivo Birmania y creaba éxitos como No te aguanto más. Años después, en la nueva estructuración del grupo, firmó un hit incontestable como fue aquel Los amigos de mis amigas son mis amigos. También ha tenido tiempo de componer para artistas como Amistades Peligrosas, Cómplices, Marta Sánchez o Azúcar Moreno. Pero un buen día se lía la manta a la cabeza y comienza su carrera como cantautor. En este 2014 nos sorprende con su vuelta lanzando Debe de ser esto la felicidad.

AGDE: ¿Después de un buen puñado de años componiendo para otros, cómo fue lo de dar el salto del estudio de grabación al escenario?

CDF: Pues principalmente para poder dar salida a la gran cantidad de canciones que estaba componiendo y que de otro modo el público probablemente nunca llegaría a conocer. Lo bonito es que la gente tenga oportunidad de escucharlas y hacerlas suyas también.

AGDE: Y, a tu juicio, ¿qué debe tener una canción para lograr dicho objetivo?

CDF: Precisamente me he dedicado durante años a leer muchos libros sobre cómo componer, e incluso estuve impartiendo clases sobre ello en el Congo. Es fundamental que la canción tenga gancho, desarrolle una buena idea y lleve un buen título. También es vital que la primera frase atrape al oyente y le provoque ganas de seguir escuchando.

AGDE: ¿Tan importante puede ser la elección del título adecuado?

CDF: Mucho, de hecho en mi último disco hay un tema cuyo título fue un reto que me impuso un amigo: Has de escribir una canción que se titule “Morir en el armario”. Acepté el desafío y el resultado es uno de mis cortes favoritos del disco, que además trata sobre mi reciente ruptura.

AGDF: ¿Entonces hay algo de autobiográfico en este nuevo álbum?

CDF: La mayoría de las canciones que lo integran son recientes, excepto alguna que otra que ha sido rescatada de hace algún tiempo. Se trata sin duda de un disco grabado con el corazón roto. Aunque se tocan varios temas como por ejemplo el de la crisis en Me da igual o la corrupción política en López.

AGDE: ¿Qué diferencia principal encuentras a la hora de componer para ti mismo con respecto a cuando lo haces para otros artistas?

CDF: Cuando escribes para ti tienes menos límites. El poder hacer exactamente lo que quieres te permite ser mucho más creativo.

AGDE: ¿Y cuáles son tus proyectos más inmediatos?

CDF: De momento lo primero presentar Debe de ser esto la felicidad el 18 de septiembre y el 16 de octubre en el Café Libertad.

FOTO: FERNANDO DE FRANCE





jueves, 10 de julio de 2014

QUITAPENAS crítica del álbum de Lucía Pérez

A MAL TIEMPO BUENA CARA

A nadie se le escapa que no soplan buenos vientos, pero para todo hay un remedio. Para el malhumor nada como escuchar el nuevo trabajo de una de las voces más bonitas que han salido de Galicia. Lucía Pérez se nos descuelga con un disco lleno de buenas canciones, con melodías muy cuidadas y letras de lo más interesante. Un soplo de aire fresco para un panorama que últimamente venía siendo algo monótono.

Quitapenas es el primer sencillo extraído y es el tema que da título al álbum. Y no podía venir más a propósito. Es una invitación a despojarse de las preocupaciones y no vivir constantemente atormentado ya sea por un desamor o por cualquier otra circunstancia. La canción tiene además un ritmo juguetón con cierto ramalazo reggae que la hace muy refrescante. Y aún más jamaicano suena el siguiente corte: Paraíso perdido, que junto al cha-cha-cha Siempre igual son lo más bailable y contagioso del álbum.

Y luego están las baladas: Dímelo tú es sin duda la melodía más romántica, Lo que piensas que yo pienso hace verdaderos juegos malabares con las palabras y Sete Chorares endulza su melancólica cadencia con la calidez de la lengua gallega.

Por último reseñar los temas más pop entre los cuales destaca el que abre el disco: Después de ti, una historia de superación que sube y baja como una montaña rusa desde lo dramático de las estrofas a lo contundente del estribillo. Restos de escenario juega con toda la parafernalia de una balada rock como fondo y Qué más da tiene una de esas letras alambicadas que merece la pena escuchar con atención.


La voz de Lucía, siempre en un destacadísimo primer plano, suena limpia y a veces prácticamente desnuda con el único acompañamiento de unos acordes de piano. Ahí es donde realmente se aprecia la calidad de una verdadera cantante, donde cada suspiro, cada pequeña inflexión de voz puede ser apreciada.

LUCÍA PÉREZ dispuesta a quitar todas las penas

La joven pero experimentada cantante nos presenta su sexto álbum en el cual invita a todos a mirar las cosas con optimismo, algo que se agradece en el panorama actual.

AGDE: Muchos te conocen solamente por tu paso por Eurovisión, pero ¿qué ha estado haciendo Lucía Pérez desde entonces?

LP: He seguido haciendo muchas cosas, no hubo tiempo material para sacar un nuevo disco aquel año y luego estuve muy ocupada con numerosas actuaciones y presentando algunos programas en la Televisión Gallega.

AGDE: A nadie se le escapa que aquella canción no te permitía lucirte plenamente ¿En este nuevo disco conoceremos a la verdadera Lucía?

LP: Yo creo que sí, es mi sexto trabajo ya, y se nota una madurez y una evolución a nivel de interpretación en unas canciones que desde luego son 100% Lucía Pérez.

AGDE: “Quitapenas” es el single escogido, un tema desenfadado y refrescante ¿Refleja de algún modo tu estado de ánimo en estos momentos?

JP: El mío y el de mucha gente, por eso lo escogimos como título para el álbum. En estos días viene al pelo, necesitamos desestresarnos y disfrutar un poco.

AGDE: El disco se puede encuadrar en un pop básicamente acústico y con un sonido muy natural ¿Fue ese el criterio seguido desde el principio?

LP: Nos hemos llevado dos años seleccionando canciones, pidiendo temas a otros autores y luego grabando un total de 30 maquetas tratando de ver las que encajaban. Así es como funciona, un proceso largo pero que da buenos resultados gracias también a contar con un gran equipo: Iñaki García, Paco Salazar, Mondy Alonso, el ingeniero de sonido Bori Alarcón y el compositor y productor Chema Purón.

AGDE: ¿Cómo surge lo de hacer una versión tan personal del clásico Moonlight Shadow de Mike Oldfield?

LP: Sé que es arriesgado, pero es un tema que me gusta mucho y del cual no existía adaptación al español. Quise hacer mi propia versión aun teniendo presente que era imposible capturar la magia del original.

AGDE: En todos tus discos cantas algo en gallego ¿Te gusta rendir ese homenaje a tu tierra?

LP: Sí, por supuesto, es como un guiño. Siempre dejo un espacio para mi lengua y siempre lo habrá

AGDE: ¿Y cuáles son tus planes de cara a este verano 2014?
LP: pues están saliendo bastantes actuaciones así que estoy muy contenta y luego toca presentar el disco en distintas salas por todo el país. También están cerrados algunos conciertos en Colombia, Chile y Argentina.

AGDE: ¿Hay algo que quieras añadir para despedirte?

LP: Muchas gracias a a golpe de efecto por vuestro apoyo. Estamos poniendo mucha ilusión y fuerza para que todos conozcan de cerca a otra Lucía que va más allá y que sigue trabajando.

FOTO: JAVIER LEÓN


lunes, 30 de junio de 2014

HUGO CASTEJÓN ha presentado oficialmente su single 'You’ll Be Mine

HUGO CASTEJÓN ha presentado oficialmente su single 'You’ll Be Mine'.

HUGO CASTEJÓN HA PRESENTADO SU NUEVO SINGLE “You’ll be mine” en la terraza de Casa de América, un tema que sin duda nos hará BAILAR ESTE VERANO.

El cantante ofreció para la prensa una actuación en la que su tema “You’ll be mine” brilló con la firme promesa de ser uno de los más bailados este año no sólo en nuestro país. Muy bien acompañado por sus cuatro bailarinas nos hizo una propuesta pegadiza y con mucho ritmo.


AGDE: ¿Por qué escogiste este estilo musical tan veraniego y bailable?
HUGO: Siempre me ha gustado la música con energía y alegría, que transmite un sentimiento positivo y da ganas de bailar. Me encanta la noche y todo lo que se vive en ella.