Comienza la 3ª Edición de Gigantes del Blues este domingo 3 de marzo con Downtown Alligators en Clamores. Un año más con una amplia programación que se podrá disfrutar del 3 al 30 de marzo en la Sala Clamores de Madrid.

D3 21:00 THE DOWNTOWN ALLIGATORS. Una de las clásicas formaciones de Madrid.
S9 22:30 SHAYNA STEELE. Vocalista de Moby, colaboradora de Snarky Puppy nominada al Grammy, una de las grandes nuevas voces del Blues.
D10 21:00. MARTIN GARCÍA R&B QUINTETO . Los orígenes del R&B. 50’s
M12 20:30 TAIL DRAGGER. Desde Chicago llega el considerado heredero de Howlin’ Wolf.
X13 20:30 JOSE LUIS PARDO ORGAN TRIO. El magnífico guitarrista argentino residente en Madrid se presenta en esta ocasión a formato “Organ Trío”
J14 20:30 WAX & BOOGIE feat DREW DAVIES. Banda elegida para representar a España en el European Blues Challenge a quienes se une Drew Davies, saxofonista ingles que toca habitualmente con Kenny Blue Boss Wayne, Mike Sanchez…
S16 22:30 MR. SIPP. Ganador de algunos de los más importantes premios del Blues, es uno de los jóvenes reyes del estilo en USA.
M19 DEVA MAHAL. 2 veces ganadora del Grammy, la hija del legendario Taj Mahal, se mueve entre el Blues, el Soul y el R&B.
X20 20:30 COREY HARRIS BAND. Antropólogo y Bluesman uno de los artistas más importantes de las últimas décadas.
V22 22:30 ERIN CORINE BLUES & ROOTS. Un homenaje a las pioneras del Blues de la mano de la genial cantante de Chicago.
 X27 20:30 CHRIS CAIN & CARABAND. Hijo adoptivo de Albert King y su guitarrista durante años, además de guitarrista de Robben Ford, se presenta por 1ª vez en España.
J28 20:30 SIMON&SANPA BLUES ENSEMBLE feat MAYKA EDJOLE. Nueva formación , con 2 de los grandes nombres del Blues nacional, Francisco Simon (Red House) y Pablo Sampa a los que se une Mayka Edjole (Sweet Vandals).
S30 22:30 DEL TORO BLUES BAND. Una de las bandas más consolidadas del circuito europeo liderada por el armonicista Danny Del Toro.

SOMOS MUY VISCERALES

Viscerales o no, desde luego lo que sí que son es muy creativos. Que el nombre no te despiste, pues la banda es madrileña y nos trae un puñado de buenos temas de auténtico blues en todas las variantes posibles. Eso sí, con su sello particular: un sonido reconocible y personal que sorprenderá y hará las delicias de todos los seguidores de este estilo.

 ¿Cuándo y cómo nace Memphis Train?

Borja (bajista) y Víctor (voz y guitarra) iniciaron la banda, Alejandro Sierra (piano, órgano y voz) se sumó a los pocos meses junto con un armonicista que ya no forma parte del grupo. Dos años después llegaría Jorge que daría más identidad y consistencia a nuestro sonido (también pasaron varios baterías por la formación). En 2015 grabamos nuestro primer disco y en el segundo es cuando entra Miguel configurando la plantilla actual.

Vuestra música muestra influencias claras del blues, el jazz, el soul… ¿De poneros alguna etiqueta, cuál sería?

Mayormente blues. Nos gustan también el soul y el funk, por ello los mezclamos un poco. Hacemos un blues variado y divertido, muy enfocado al público. En nuestra opinión no hay un único blues, sino que hay muchos “bluses”.

Habladnos de “Beatin’ around the blues” ¿Qué destacaríais de él?

Es un disco más elaborado que el anterior. Nuestro primer álbum era más espartano. Éste está más pensado y hemos tenido más tiempo y dinero para invertir. Tiene más identidad, creemos que por fin hemos encontrado nuestro propio estilo.

¿Qué criterios seguís a la hora de crear vuestro repertorio?

No hay criterios, somos muy viscerales. Básicamente hacemos lo que nos sale según el momento. Si de entrada no nos llama mucho algo que estamos tocando, solemos abandonarlo. Nuestra forma de trabajar ha sido la siguiente: las primeras canciones las escribimos con tiempo y las tocamos en algún concierto para testarlas un poco y en ensayos posteriores las acabamos de arreglar. Las últimas en cambio tuvieron que gestarse sobre la marcha en el poco tiempo que nos restaba. Quedábamos en casa de Víctor y poníamos ideas en común.

¿Qué cosas cambian a la hora de grabar en el estudio y a la hora de tocar en directo?

Creemos que nada. Grabamos todo juntos, en cualquier sala podemos reproducir perfectamente lo que suena en nuestro disco. Únicamente se grabaron a posteriori algunas voces y coros, pero no hay ninguna instrumentación de más.

¿Y vuestros proyectos son…?

Primeramente presentar el álbum en vivo en la sala El Intruso de Madrid este viernes 17 y seguir haciendo promoción donde podamos. Lo cierto es que todos tenemos también otros proyectos paralelos, aparte de Memphis Train, al que siempre damos prioridad. De hecho algunos de nosotros ya habíamos tocado anteriormente juntos en otras formaciones.

MENSAJE COLOQUIAL

Vienen con mucha energía, un disco bajo el brazo que han tardado dos años en pulir y un puñado de fechas para verles tocar. En esta playa no hay arena ni sol, pero sí buen rock un total de once historias de esas con las que todos nos podemos identificar.

 Vuestra música recoge elementos pop, rock, blues… ¿Es fruto de una intención o simplemente “es lo que os sale”?

Es fruto de toda la música que hemos oído a lo largo de nuestra vida hecha trocitos. Se escribe una canción y con lo que tienes vas trabajando, por estilo o letra ella sola te lleva a una cosa u otra.

“Luces de neón” es uno de los temas más contundentes del disco cuya energía estamos deseando vivir en directo ¿Cómo nació?

Esta canción tuvo una evolución interesante. Nació sin los “uohoho” del principio y partió de un medio tiempo que acabó acelerándose para reafirmar la fuerza de la letra.

Vuestras letras en general resultan de lo más interesante y se nota que están muy cuidadas ¿Qué es lo que buscáis contar a través de ellas?

Hay una gran variedad temática en nuestro repertorio. Suelen ser mundanas, no abordamos cuestiones filosóficas. Contamos cosas cotidianas desde un punto de vista personal pero tratando de establecer una comunicación. Es un mensaje coloquial.

¿Cómo fue la grabación y producción de los temas¿ ¿Crecieron mucho durante el proceso?

Esto ha sucedido en un sentido más amplio. El proceso ha durado dos años. En medio han ocurrido muchas cosas. Lo decisivo ha sido cuidar la preproducción. No hemos querido sobreproducir el disco, el resultado final es similar a lo que hacíamos en el local de ensayo. Con todo bien arreglado desde la base no se corre el riesgo de llegar al estudio sin tener las ideas claras.

¿Y dónde se os puede ir a ver?

Pues estaremos en el Café Feliche (Valladolid) el 10 de marzo, al día siguiente en Beat Club (Zaragoza). En la sala El Sol (Madrid) el 1 de abril, y para julio estaremos en Valladolid y en La Rioja.

DESDE ARGENTINA CON ACTITUD 

Pocas mujeres hay en el panorama actual del continente americano con la fuerza, la presencia y el talento de Alejandra Burgos. Un torbellino en el escenario y una mente inquieta cuya creatividad se escapa a borbotones. 

Oyéndote cantar, y la música que haces, cuesta creer que no seas anglosajona. ¿Crees que hemos llegado a ese punto en que un artista de cualquier rincón del mundo puede hacer buen pop con solvencia?

Si, en realidad creo que cualquiera desde cualquier parte del mundo puedo hacer una buena canción pop de calidad.

¿Tenías claro desde el principio exactamente lo que querías hacer al grabar tu álbum “The things I’ve done? ¿Cómo describirías el disco?

Es un álbum bastante pop/blusero en plan más acústico que lo que desprendo en vivo, y tiene bastante variedad de canciones, aunque estoy buscando llegar a mostrar más registros y matices, desde lo más chiquito, o una balada súper profunda, a un tema mucho más rockero con mucha actitud. La verdad es que no sabía exactamente qué es lo que quería hacer antes de grabar el disco. Fui haciendo lo que sentía, de hecho y he grabado las canciones en diferentes lugares como Londres, Argentina, Francia y España. Y después todo se fue acomodando.

Tu voz viaja de lo risueño a lo histriónico a lo largo de un álbum lleno de sonidos y ritmos diferentes. ¿Eres de la opinión de que “en la variedad está el gusto”?

Sí, el álbum muestra variedad, y por un lado es mi gusto y opino que uno no siempre cuenta historias de la misma manera, entonces, lo mismo con las canciones ...se cuentan como se sienten. 

¿Te sientes más libre en solitario a la hora de hacer música?

En un punto hay un poco más de libertad  tocando en solitario porque no hay a nadie a quien seguir ni nadie que te siga… pero en realidad una de las cosas más lindas de hacer música es compartir con otros músicos y disfrutar de esa energía e intercambio. 

Has compartido escenario con grandes artistas ¿con cuál te gustaría hacerlo en un futuro si tuvieras la oportunidad?

Tocar con artistas del nivel de Alice Cooper, Michael Schenker (guitarrista de Scorpions), Anastacia y Gloria Gaynor, ha sido una de las experiencias que me han enseñado más y algo que nunca olvidaré. Me gustaría cantar algún día junto a Mc Cartney, Dave Grohl o Steven Tyler: ¡¡Algunos de mis sueños!!

¿Cuáles son tus proyectos inmediatos?

Mis proyectos más próximos son componer los meses siguientes para ir al estudio en invierno y comenzar con mi nuevo álbum, y tocar más en Madrid. También estoy organizando para arrancar otra temporada de coaching  a artistas que recién están incursionando en el mundo del arte.

TORMENTA DE ESTILOS

Desde México nos llega la banda con el sonido más original de los últimos años. Mezclar géneros aparentemente incompatibles no tiene secretos para ellos, y así se les ha reconocido internacionalmente, incluso en el Reino Unido.

Funky, rock, hip hop, pop… ¿os gusta desafiar a quienes se empeñan en ponerle etiquetas a todo?

Sí, lo cierto es que siempre hemos evitado ser etiquetados, no queremos ser definidos por un solo género. Hemos encontrado nuestro propio sonido, basándonos en el funk, con toques de blues, rock y otros estilos. Todo nace de una fusión de pop electrónico y hip hop buscando un equilibrio entre los instrumentos que usamos.

“Money ages” es un single penetrante y muy vigoroso ¿Por qué razón lo escogísteis?

Es un sencillo que nos hizo darnos cuenta de que por fin habíamos alcanzado el punto que queríamos que tuviera nuestro sonido. A partir de ahí fuimos capaces de crecer musicalmente y absorber nuevos géneros.

¿Creéis que el público europeo puede ser incluso más receptivo con vuestro trabajo?

Eso esperamos. Nos hemos animado a hacer gira por España y alrededores. Ya el año pasado estuvimos sonando en BBC Londres y eso nos empujó a venir a Europa.

¿Cómo nació y se orientó la banda hasta lo que hacéis ahora?

Comenzó porque yo agarré gran afición a la guitarra que me compraron mis padres. Descubrí enseguida que era mi instrumento cuando empecé a dar clases con mi primer profesor, que hoy es miembro integrante de la banda. Al principio no teníamos clara la línea a seguir, fue cuestión de evolucionar y reinventarse continuamente.

¿Qué tal es trabajar entre hermanos, algo que por otra parte se da a menudo en el mundo del pop?

Es lo mejor. Sabemos que no nos vamos a fallar el uno al otro y nos entendemos a la perfección. Es la base del origen de la banda, y nuestro apellido representa la unión familiar.

¿Qué otros retos musicales barajáis para el futuro?

Nada específico, pero no estamos cerrados a agarrar cualquier idea y acercarla a nuestro terreno para seguir creciendo.

FOTOS: DEVILLE

PIEL Y HUESOS

La guitarrista y cantante más boyante de nuestro país tiene nuevo y flamante disco. Nueve temas, a cual más especial, integran su nueva propuesta: Skin & Bones, donde vuelve a fusionar blues, folk, pop, soul, rock... y su personal forma de cantar y tocar.

¿Qué novedades aporta este álbum con respecto a Electric Love?

El anterior era más intimista, quizá nostálgico y algo más pop. Este en cambio se acerca más a la música de raíz netamente americana. Se ha grabado en directo y luego se añadieron algunos coros, banjo y poca cosa más. Para demostrarlo hemos hecho una grabación en vídeo de toda la sesión.

¿Cómo ha sido la gestación de este disco? ¿Ha sido un parto muy largo?

En realidad no, porque hace bastante ya que quería grabarlo pero por falta de tiempo no había podido ser. A finales del año pasado hice una campaña de crowdfunding y entre ambos discos compuse cierto número de temas también pero finalmente los que he elegido con la mayoría de los más recientes.

¿Cuánto de ti misma hay en las historias que cantas?

Pues la verdad es que en parte hay bastante. A veces reflejan mi estado de ánimo, por eso este disco es tan positivo y alegre, ya que es como me siento ahora.

¿Primero la música o antes la letra?

 

Depende, no tengo una regla fija. A veces sí que tengo muy claro de lo que quiero hablar pero en la mayoría de los casos suele venir antes la melodía.

¿Cómo vas a trasladar el disco al directo¿ ¿Cuántos músicos llevas?

La formación básica es de trío (guitarra, bajo y batería) pero en algunos temas llevo también teclista y washboard.

¿Tienes plena libertad para hacer exactamente lo que quieres con tu carrera?

Sí puesto que se trata de una autoproducción. El sello que me distribuye (Paella Records) pertenece a unos amigos.

¿Cuál es el primer single?

Es Battlesnake, al cual le hemos realizado un videoclip sencillo montando imágenes del estudio y de una actuación en Francia donde estrené el tema.

Lleno absoluto en la presentación de su nuevo y flamante álbum Time goes on. Ya nos habían contado en la entrevista que en el estudio habían grabado todos juntos, tal y como lo hacen en directo; pero una cosa es oírlo y otra comprobar su fuerza sobre el escenario.

Los seis componentes del grupo, más los músicos que les complementaban desgranaron todo el repertorio del disco abarcando los ritmos más variopintos: desde el rock hasta el funky, pasando por el reggae, el folk y el blues. Cada uno de los componentes tuvo ocasión de demostrar su virtuosismo en versiones alargadas especialmente para el directo. 

Destacar también la presencia de artistas invitados que colaboran en el álbum (incluido todo un coro góspel) aportando su toque personal a cada canción. El público vibró, disfrutó, aplaudió y se emocionó con una descarga de buena música. Sin lugar a dudas este concierto supone el pistoletazo de salida de algo grande. Estaremos atentos.

 FOTOS: JAIME LA HOZ

DE SENEGAL PARA EL MUNDO

Tuvimos la suerte de asistir al concierto de Malick en la sala Intruso de Madrid y poder charlar con él un rato para que nos contara algo más sobre su música y la estupenda acogida que está teniendo fuera de su país.
 

¿A qué edad empezaste a tocar la guitarra?

Fue a los catorce o quince años allí en Senegal con un tío mío que tocaba. Luego fui aprendiendo más cosas de otros guitarristas y de un libro de acordes que cayó en mis manos.

¿Qué tipo de música es la que habitualmente escuchas? ¿Tienes algo que ver con la que haces?

De pequeño escuchaba más jazz y rock. Con el tiempo comencé a trabajar la música tradicional de mi país y luego busqué crear un estilo que fuera una mezcla de ésta con blues y jazz.

¿Crees que el mundo de hoy se está volviendo por fin más receptivo a otros tipos de música más allá de la anglosajona?

El público siempre busca cosas nuevas y sus oídos agradecen oír algo como esta combinación de folklore con otros estilos. Intento que cualquier persona del mundo pueda apreciarla y disfrutarla de igual manera.

¿Qué mensaje quieres transmitir mediante tus canciones?

Mi mensaje es un puñado de cosas que nos interesan a todos, como puede ser el amor bajo diversos puntos de vista. Y también abordo temas tan serios como el de la emigración de África a Europa, algo que en realidad no merece la pena porque luego es muy complicado conseguir permisos, trabajo, dinero… hay que pensárselo mejor antes de cruzar el océano en una patera.

¿Qué conoces de la música española?

Conozco bastante, mis favoritos son Chambao, Vicente Amigo, Paco de Lucía y Enrique Morente, con quien tuve la suerte de colaborar en 2005.

¿Cuál es tu objetivo inmediato?

Ahora promocionar el disco en todo el mundo. Estaré presentándolo en Granada el 22 de enero en Booga Club y en Sevilla el 23 en la sala Malandar.

FOTOS: SILVIA CANTERO

CON EL ALMA ENTRE SANTANDER Y NUEVA YORK

La carrera de Jimmy Barnatán está cuajada de experiencias que desde los quince años ha ido acumulando en distintas facetas hasta alcanzar la madurez que se hace patente en MotorClub, su cuarto álbum. En él vuelve a aglutinar blues, jazz y rock en un cóctel goloso y adictivo que no podemos dejar de saborear.

Aun siendo joven tienes a tus espaldas una larga carrera ¿cuál ha sido el camino para llegar hasta aquí?

Con tan sólo once años ya estaba inmerso en el mundo de la música (empecé participando en Los Miserables) y más tarde formé parte de diversas bandas de blues en Nueva York. Fue gracias a mi mánager, Juantxu Álvarez, que decidí por fin profesionalizarme y convertir lo que al principio era un hobby en una forma de vivir. Hace seis años que publiqué mi primer disco y ya vamos por el cuarto.

¿Cuál es el concepto de MotorClub, tu nuevo álbum?

Una vez más vuelvo a fusionar diferentes músicas de raíces americanas, aunque esta vez la forma de componer ha sido algo diferente. Lo hacemos Sergio (el guitarrista) y yo creando la melodía de forma muy fluida y luego yo acabo encajando las letras. No nos complicamos en laberintos musicales ya que componemos sin la presión a que se ven sometidos los autores de otros géneros más pretenciosos que buscan llegar a un público lo más amplio posible. Nosotros nos ceñimos simple y llanamente a hacer lo que nos apetece.

¿Y de qué hablan esas letras?

Yo llamo al blues el género de los géneros. Cubre un espectro conceptual muy amplio, habla de amor, humor, drama, muerte, desamor… trata sobre la vida como lo puede hacer la literatura. Algunas de mis letras se basan en experiencias vitales y otras entran en el terreno de la ficción. Me gusta hablar de mujeres que me han amado, de otras que no lo han hecho, de viajes, de lugares… Por ejemplo de dos ciudades tan dispares como son Santander y Nueva York, que para mí tienen un significado especial ya que ambas representan el paraíso perdido de mi infancia.

¿Cambian mucho las canciones de cómo son en principio a como quedan una vez terminadas?

Tratamos de que el resultado sea lo más parecido posible a lo que habíamos pensado. Es puramente una cuestión del género. Yo creo en la libertad musical, de modo que durante los ensayos o en la grabación cada músico puede también aportar ideas que enriquezcan el trabajo.

¿Existe diferencia entre lo que se graba en el disco y lo que luego suena en directo?

Básicamente ninguna. A diferencia de otros estilos, el blues necesita una gran elasticidad que sólo puede conseguirse mediante la grabación en vivo. De modo que nos metemos todos los músicos a grabar a la vez en el estudio y después sólo se añaden algunos arreglos y retoques.

¿Cómo ves la escena del jazz y el soul en España?

La veo estupenda en cuanto a los músicos. Otro tema es la escasa repercusión que tiene entre los promotores, ayuntamientos y muchas emisoras de radio que se dedican solamente a inyectar productos baratos para la masa. No existe ningún apoyo para que géneros como el blues puedan salir a flote de la misma manera. En otros países el público es más receptivo y no está tan manipulado por las multinacionales.

¿Qué proyectos inmediatos tenéis entre manos?

El día 8 hacemos la presentación en Santander y tenemos previsto ir a Nueva York en octubre. También estamos inmersos en la composición de la banda sonora del documental “Las Hurdes, Tierra con Alma” con la actriz Adriana Ugarte. Para estar al día de nuestra agenda basta con asomarse a  @jimmybarnatan tanto en Twitter como en Instagram.

FOTO: PAUL AINAS

Eurovisión es noticia estos días por dos motivos: uno es el anuncio de Edurne como nuestra representante para este año y el otro es la publicación del primer álbum de Ruth Lorenzo, quien consiguiera un magnífico décimo puesto en la edición pasada. Pero nosotros, más originales que nadie, no vamos a hablar ahora mismo sobre ninguna de las dos. En cambio vamos a centrar nuestra atención en Anabel Conde, que a día de hoy sigue ostentando la posición más alta conseguida por España en el festival durante los últimos treinta y cinco años con un excelente segundo puesto en 1995.

Anabel, cuya prodigiosa voz continúa en su máxima plenitud, tiene a la venta un espléndido álbum en el que nos demuestra que su éxito no es fruto de la casualidad sino del talento y del trabajo firme y constante. En Toda una mujer se atreve con una extensa gama de registros y encontramos temas para todos los gustos.

Para los amantes de los ritmos cálidos, el disco se abre con la pegadiza Paraíso, que es un homenaje a su Andalucía natal. Quienes prefieran algo más contundente disfrutarán de la faceta más  rockera y agresiva de Anabel en Entérate ya y Crisis emocional. Si lo tuyo es la pista de baile, entonces no te puedes perder Incéndiame, y si, por el contrario, te van más las baladas, disfrutarás con Just once, Tú y yo, Sobrevivir y Lately, dignas de figurar en cualquier banda sonora de Disney.

La cosa no acaba ahí, destacamos especialmente las dos piezas en las que despliega su voz con más raíces negras que nunca: It’s for you y Sin miedos, donde el blues y el soul alcanzan cotas (y notas) muy altas. Estamos ante un disco muy completo, con un repertorio cuidadosamente elegido y una Anabel Conde más versátil, potente y emocionante que nunca.

Susan consigue un interesante equilibrio en este álbum en el que su guitarra y su voz comparten protagonismo a lo largo de once temas que abarcan influencias americanas que van desde el blues hasta el rock, pasando por el soul y el country.

Encontramos rifs tremendamente contagiosos en It’s all about you, Electric love y Big shinny car, en los que la voz de Susan resulta tan expresiva como sugerente. Y temas más pausados como Devil’s waltz  Kaleidoskope o You’re rockin’ me en los que las cadenciosas melodías te envuelven sin que te des cuenta.

También sorprenden las guitarras sincopadas de canciones como Somebody like you, Everything y la elegante Inner city, de impecable factura. Quizá la pieza más desenfadada sea Ice on fire, y como contrapunto, la más oscura, Off my skull.

En resumen estamos ante un disco que se hace querer desde una primera escucha, y que te da un paseo por una larga serie de estados de ánimo y distintas sensibilidades que Susan sabe verter tanto con sus cuerdas vocales como con las cuerdas de su venerada guitarra.

La cantante y guitarrista extremeña nos deleitará con su último concierto de este año el día 14 en la madrileña sala Clamores. Aprovechamos la coyuntura para hacerle esta interesante entrevista donde nos desvela algunas claves de su carrera.

¿Cómo y cuándo te metiste en el mundo de la música?

Di el paso para tocar la guitarra a los dieciocho años, y tuvo que ser de forma autodidacta ya que era mayor para ingresar en el conservatorio. Por aquel entonces escuchaba todo tipo de música pero no tenía aún un gusto definido hasta que un buen día descubrí el blues, luego los Beatles, los clásicos del soul, el country, la bossa nova…

¿Y cuál fue el siguiente paso?

Hace seis años decidí salir de Badajoz y dedicarme en serio a esto. Los primeros años fueron complicados, iba y venía continuamente pues impartía clases de guitarra en Extremadura. Más tarde, cuando por fin pude estabilizarme un poco, me afinqué en Madrid.

¿Cuáles son las influencias que marcan tu estilo?

Profesionalmente he tocado de todo pero para mi propio proyecto musical me he decantado por una música de raíces americanas: country, soul, blues y funk.

¿Tienes algún método concreto a la hora de componer tus canciones?

Ninguno en especial. Lo que sí que necesito es tranquilidad y tener mi guitarra a mano. A veces la música llega antes y otras siento que quiero contar algo, lo imprescindible es tener mi espacio y mi tiempo. Disfruto mucho haciendo las canciones y tocándolas luego en directo para ver la reacción.

¿Y qué historias cuentas en ellas?

Un poco de todo, en este último disco la temática es variada. Por ejemplo el single “Electric love” habla sobre mi guitarra y mi amor por la música, “Inner city” trata acerca de la soledad que se puede experimentar en una gran ciudad, y “Kaleidoskope” va dedicada a mi padre, fallecido poco antes de la grabación del disco.

¿Qué es lo que te gusta del trabajo en el estudio y el del escenario?

En el estudio se aprende mucho y te ayuda a evolucionar. Al principio sientes mucha ilusión por lo que acabas de grabar y te permite hacer autocrítica. El directo te da sobre todo experiencia para seguir y después aplicarlo la próxima vez que vuelves al estudio. Es un ciclo continuo.

¿Qué proyectos tienes a corto y a largo plazo?

Lo más inmediato el concierto en la sala Clamores de Madrid el día 14 de este mes. Un concierto que cierra este año y en el que habrá también algo de material anterior. Para el 2015 la idea es seguir componiendo y tocando mucho, también es posible que salga fuera.

FOTOS: SUSAN SANTOS

UN BUEN PLATO DE FUSIÓN

Desde el principio Sostenible, lo dicen los astros se revela como un disco  agradablemente fácil de escuchar. La instrumentación es rica sin ser recargada y la simbiosis de pop, jazz, blues y un “no se sabe bien qué” funciona en todo momento. De modo que las seis canciones que conforman este ep se deslizan casi sin sentir pero dejando un poso que se degusta durante mucho rato aun después de haberlo digerido.

De entrada llaman la atención las letras. Entre lo surrealista y el discurso social, la banda desgrana una serie de temáticas, tanto actuales como perennes, que despiertan una complicidad inmediata y provocan que se las escuche con avidez. Desde el cinismo agridulce de Circunstancias hasta el canto de esperanza de Dulces y golosinas, pasando por la nostalgia de ¿Los años volverán? y la intensidad de Tirantes de papel vemos que no hay ninguna canción de relleno. La voz franca y urbana de David Mas y la atmósfera creada por los músicos invitan a dejarse llevar. No hay ritmos frenéticos ni gritos altisonantes, Carpaccio Bit se decanta más por un sonido envolvente y una interpretación que bebe principalmente de la vieja escuela de cantautores.

Un experimento cuyo resultado estamos seguros ha debido sorprender a los propios integrantes de la formación. La suma de sus respectivas sensibilidades ha dado como fruto un trabajo sólido que debe ganar aún más puntos en su versión en vivo y del que esperamos más en el futuro puesto que seis temas nos han sabido a poco.