NUEVE PLANETAS, NUEVE CANCIONES

El pop se vuelve introspectivo y sugerente en el nuevo trabajo de Salvador Tóxico: Catálogo de planetas. Un disco lleno de texturas y matices que hay que paladear lentamente y con la debida atención. Satisfacción garantizada.

Tu estilo se mueve en un terreno resbaladizo entre lo que es puramente pop y lo que es música electrónica, con matices incluso de chill-out. ¿Tú cómo lo definirías… si es que se puede?

Me gusta definirlo como pop. Meterme en etiquetas dentro del pop me cuesta. Cada uno que lo vea como quiera, yo simplemente lo hago.

Sea con la etiqueta que sea, lo que destaca es sobre todo la emotividad a flor de piel que destilan tanto las letras como las melodías, así como en tu interpretación. ¿Hasta qué punto no te importa mostrar tu desnudez o tu fragilidad en tus temas?

Es algo que no puedo evitar. Trabajo solo en casa durante la mayor parte del proceso y no tengo limitaciones a la hora de crear. Pero es cierto que a veces me siento un poco expuesto cuando finalmente todo se muestra al público.

Háblanos de “No”, el primer single que se extrae del álbum ¿Cuánto de ti mismo hay en esa canción?

Puede decirse que un 80% es autobiográfico mientras que el 20% restante fue añadido para “decorar” un poco la historia. Se trata de una canción escrita desde el despecho, aunque por suerte hoy por hoy es un capítulo de mi vida que ya  tengo totalmente superado.

¿Y es “No” una buena representación de lo que vamos a encontrar en el resto de este  “Catálogo de planetas”?

No lo creo. No es un ejemplo claro de la línea del disco. Algunos temas son más guitarreros y otros más electrónicos, de hecho yo soy guitarrista. Estoy seguro de que si tuviera una banda y ensayara en un local, haría algo mucho más guitarrero.

¿Qué diferencia o evolución se puede apreciar entre este disco y el anterior?

“Animalismo” recogía una línea temporal más amplia. Eran temas que había compuesto mientras tocaba con Algora, sin ningún pensamiento por aquel entonces de llegar a publicarlos. En cambio “Catálogo de planetas” es fruto del trabajo de este último año y se trata de un proyecto mucho más concentrado y acabado. Aunque no se trate ni mucho menos de un álbum conceptual, puesto que cada canción ha nacido independientemente, sí que puede apreciarse una cierta coherencia interna, reflejo del momento que estoy viviendo.

Nos ha llamado la atención el original diseño gráfico del disco ¿Cómo surgió?

Es responsabilidad de Mutador, que creó el concepto con ideas propias inspiradas en las canciones. Al ser nueve temas, la simbología con los nueve planetas venía al pelo. Pienso que ha realizado un magnífico trabajo.

¿Y qué estás preparando de cara a la campaña de promoción?

Haremos algún que otro showcase en la fnac y la presentación oficial del disco en Madrid será el próximo 11 de junio en la sala "El sótano" en la calle Las Maldonadas.

FOTOS: CARMEN CANORA

CARRETERA Y MÚSICA

Dani nació con una guitarra bajo el brazo. La necesidad de abrir nuevos horizontes y de luchar contra viento y marea para defender su estilo le convierten en todo un ejemplo digno de admirar. Su nuevo disco: Trails es una auténtica declaración de intenciones a la vez que una especie de libro de bitácora de un viaje inolvidable.

En los tiempos que corren son cada vez menos comunes los álbumes conceptuales ¿Cómo se te ocurrió hacer uno?

En principio no había intención de hacer nada. Me fui de viaje para “desintoxicarme” y al mirar atrás vi que había una historia y decidí hacer este disco. La mayoría de los temas los compuse durante dicho viaje y luego, una vez aquí, escribí el resto para “llenar los huecos”.

¿Cuál es exactamente el nexo que une las canciones? ¿Existe una cronología interna en las letras?

El disco relata todo el viaje desde el primer avión hasta Venice Beach, dos horas antes de pillar el vuelo de vuelta. El nexo es tanto la historia como las emociones que todo aquello me despertó. Efectivamente las canciones guardan una cronología, tanto es así que en directo las hacemos también en el mismo orden.

¿De algún modo aquel fue un viaje iniciático? ¿Se puede decir que te cambió, que existe un antes y un después de alguna manera?

Yo pienso que sí. Me marché en un momento algo oscuro, muy bajo de autoestima y al cabo de tres meses devorando kilómetros, al fin tuve la sensación de haberme quitado de encima las preocupaciones. Todo ese tiempo viajé solo con mi guitarra y la verdad es que la soledad me sentó muy bien y me permitió aclarar mi mente para volver a tener ganas de hacer cosas.

¿No te sientes a veces un poco “marciano” por hacer un tipo de música que realmente tiene poca tradición en nuestro país?

Sí, un poco. Me estuve preguntando si hacía bien en volver a España y abandonar Londres (donde he estado viviendo cinco años antes de hacer la escapada a Estados Unidos) y regresar al seno familiar. Ahora es la prueba de fuego. Toca comprobar si aquí esto puede gustar. Creo que debe existir un nicho para que el nuevo country encuentre su público en nuestro país.

En este caso has usado un viaje como fuente de inspiración ¿Anteriormente te has basado en otros recursos, o tienes pensado alguno para el futuro?

La verdad es que no. Es la primera vez que baso un disco en un concepto. El primer álbum consistió en dar salida a todo el repertorio que llevaba años haciendo. Luego publiqué un EP que era más acústico y en el que incluí unas canciones que quería grabar, mientras que otras se han quedado en la recámara para el próximo proyecto.

¿Qué piensas que debería cambiar en el panorama musical actual, tanto en lo artístico como en lo meramente industrial?

Pues por un lado debería desaparecer el “enchufismo”. Sería más justo que hubiera más oportunidades para todo el mundo y no sólo para los que tienen contactos. También opino que habría que apostar más por la calidad y no mirar tanto los posibles beneficios económicos. Y por último querría que en España se asistiera más a conciertos y hubiera un mayor interés no ya sólo por la música sino por la cultura en general.

¿En qué andas inmerso ahora?

Ahora mismo estamos estudiando si es viable hacer una gira, confeccionado un dossier para enviarlo a todas las salas posibles y planificamos también remover el cubo en Europa, ya que hay países donde este tipo de música tiene bastante popularidad.

FOTOS: CRISTINA MOLINO

RITMO Y MENSAJE

Como pudimos comprobar el pasado 16 de marzo en la sala Costello de Madrid, a Jairo no le faltan aptitudes como cantante, pianista y compositor. Posee demás eso que muchos artistas buscan desesperadamente y no siempre encuentran: un estilo propio. Su carisma personal se despliega canción a canción acaparando constantemente la atención del público durante un concierto que acaba haciéndose corto. Tuvimos la suerte de que nos contara todo lo que hay que saber sobre su nuevo disco: Hombres mejores. 

En este álbum se barajan los sonidos clásicos del género pero variando los ritmos para romper la monotonía y por supuesto con letras de lo más interesante. ¿Cómo definirías el disco?

Es un tanto conceptual. Puede decirse que el tema “Hombres mejores” resume de algún modo el espíritu del resto de canciones, por eso la elegí como título genérico. También es representativa “Si quieres” porque para mí el amor es un eterno ofrecimiento. En este disco he buscado que hubiese cierta coherencia en las temáticas.

En tus letras se observan dos vertientes: una romántica y otra social. ¿Te gusta volcar tus propias reflexiones en tu música?

En realidad es casi la primera vez que me atrevo con temas sociales e incluso políticos. He querido hacerlo sin insultar pero de una forma cañera y divertida. En general las letras de este disco son menos intimistas y más asequibles para la mayoría del público.

En tu vertiente romántica las historias que cuentas suelen tener un sabor agridulce y no parece que acaben demasiado bien. ¿Cuánto de autobiográfico hay en ellas?

En el caso concreto de “Hombres mejores” utilizo un punto de partida real pero luego, al igual que en otros casos, termino mezclando elementos de otras historias. Lo habitual es que acabe solo y echándola de menos pero aun así, en comparación con el disco anterior, éste es de una alegría infinita (risas).

Háblanos de tu colaboración con los Urrutia ¿Cómo surge y qué tal la experiencia?

A Alberto le conocí casualmente en una colaboración que hice con él como pianista y luego le acompañé durante una gira. Grabar su tema “El olor de tu pijama” ha sido un lujo. Cuando me presentó a su hermano Jaime hubo muy buena conexión desde el principio y aceptó encantado la idea de hacer un dueto. Así que estoy muy feliz de contar con la colaboración de ambos ya que siempre fui muy fan de Gabinete Caligari.

No son buenos tiempos para el rock ¿a pesar de todo crees que merece la pena el sacrifico que conlleva dedicarse a ello plenamente?

Yo llevo ya siete años en Madrid, he tenido que renunciar a mi tierra pero gracias a ello he podido tocar en muchos locales y acompañar a magníficos músicos, aparte de llevar adelante mi proyecto personal. Pienso que actualmente en este mundillo hay poca inversión y que el trabajo del artista está muy infravalorado.

¿Y tus proyectos más inmediatos son…?

Pues ahora mismo exprimir los conciertos con este disco lo máximo posible por todo el país e incluso intentar dar el salto a Latinoamérica, donde también conozco a muchos músicos.

EL CORAZÓN DE ITALIA

Esta tarde hemos tenido el privilegio de asistir al showcase de Alessandra Amoroso, una artista desconocida ahora en España pero con 14 discos de platino en Italia. Nos ha presentado su ábum en español de sus grandes éxitos en Italiano más un tema inédito compuesto íntegramente en español que lleva como título su nombre Alessandra Amoroso.

Alessandra aparece en el escenario con una sonrisa tímida y una apariencia frágil que no hace prever lo que vamos a escuchar. Nos desgrana en primicia cinco temas de su disco. Son de esa clase de canciones que, aunque las estés escuchando por primera vez, desde el comienzo las sientes y disfrutas como si fuesen clásicos de toda la vida. Tal es el nivel de su repertorio. Y la dulzura y  rotundidad de su interpretación, que baja y sube a todas las tesituras imaginables, le hace a uno preguntarse dónde puede esconderse tal chorro de voz dentro de su menuda persona.

Alessandra es una artista que deja huella ora por la calidad de su voz y sus canciones; ora por la tremenda personalidad y la gran energía que desprende, haciéndose suyo a todo el público.

Como ella indica, le gusta hablar con el público y compartir con su “big family” (el conjunto de sus cientos de miles de seguidores en Facebook ) su enorme energía y fuerza.  Un directo que te hace sentir como si la conocieras de toda la vida y es que abre su interior a través de su música.

Tuvimos la suerte de poder charlar con ella después de su actuación donde nos confesó que estaba nerviosa puesto que era la primera vez que cantaba ante público español y en español, pero he de decir que se defendió perfectamente y que le encanta nuestro idioma. En un año ha estado estudiando español para poder cantar, entender y sentir en nuestra lengua sus canciones.

A nivel personal debería apellidarse Amorosa puesto que es realmente un amor de mujer, divertida y encantadora; que desparrama optimismo y simpatía aunque nos ha confesado que ayer estaba un tanto enervada por la actuación de hoy. Probablemente, y a medida que coseche éxitos, se le pase este nerviosismo que, por otra parte, siempre es un acicate para hacerlo mejor.

No cabe duda que estamos ante una artista italiana arrolladora que desembarca en España con un precioso sencillo (Single) “Grito y no me escuchas” versión de su éxito “Urlo e non mi sentí”, pero el álbum tiene más de un tema que puede ser sencillo ya que están muy bien escogidos los temas. Todo un ramillete de futuros éxitos.

Si, como dicen, un artista se mide por su capacidad para poner el corazón en lo que canta, estamos sin duda ante una gran artista.

Os dejamos con el vídeo en español de "Grito y no me escuchas"

Fotos: Marc Tártalo

Susan consigue un interesante equilibrio en este álbum en el que su guitarra y su voz comparten protagonismo a lo largo de once temas que abarcan influencias americanas que van desde el blues hasta el rock, pasando por el soul y el country.

Encontramos rifs tremendamente contagiosos en It’s all about you, Electric love y Big shinny car, en los que la voz de Susan resulta tan expresiva como sugerente. Y temas más pausados como Devil’s waltz  Kaleidoskope o You’re rockin’ me en los que las cadenciosas melodías te envuelven sin que te des cuenta.

También sorprenden las guitarras sincopadas de canciones como Somebody like you, Everything y la elegante Inner city, de impecable factura. Quizá la pieza más desenfadada sea Ice on fire, y como contrapunto, la más oscura, Off my skull.

En resumen estamos ante un disco que se hace querer desde una primera escucha, y que te da un paseo por una larga serie de estados de ánimo y distintas sensibilidades que Susan sabe verter tanto con sus cuerdas vocales como con las cuerdas de su venerada guitarra.