STANLEY CLARKE band. 

Colaboración especial "EL AMIR"

6 NOV, Teatro Nuevo Apolo, Madrid.

El Amir será artista invitado en el próximo concierto en Madrid del mítico y famoso bajista de jazz-funk Stanley Clarke.

El concierto se celebrará en el Teatro Nuevo Apolo el día 6 de Noviembre a las 20:30h.

Stanley Clarke es una de las leyendas más destacadas y superstar del bajo eléctrico de nuestros tiempos. Su aportación a la música y al jazz ha sido enorme. Ha revolucionado el bajo eléctrico y ha establecido las bases del bajo contemporáneo con su armonía, técnica y formas de solear. Consiguió que el bajo se convirtiera en un instrumento de solista principal y llevarlo por todo el mundo con sus diferentes bandas. Mundialmente es un ídolo, referente y una influencia grande para todos los bajistas.

Es el miembro fundador de la mítica banda Return To Forever junto a Chick Corea y ha colaborado con los máximos artistas y músicos de Jazz, Funk y R&B como Herbie Hancock, George Duke, John McLaughlin, Billy Cobham, Al Di Meola, Lenny White, etc. Le han otorgado una larga lista de premios y Grammys. Es el patriarca del bajo jazz-funk!!

En esta ocasión Stanley Clarke cuenta con la colaboración especial del artista y músico multi instrumentista y multi étnico Amir John Haddad - El Amir.

El Amir es reconocido por ser uno de los top 5 guitarristas y concertistas flamencos de su generación en España y por ser un maestro en las cuerdas. Está colaborando con artistas de primer nivel como Hans Zimmer ó Juno Reactor y es el único guitarrista flamenco que domina tantos instrumentos de cuerda a parte de la guitarra. Anteriormente El Amir ya había colaborado con Marcus Miller en su paso por el Teatro Nuevo Apolo regalándonos una noche espectacular junto a Josemi Carmona y Pepe Bao.

El Amir es uno de los pocos músicos en el mundo que tiene la capacidad de tocar tantos estilos musicales con nivel de virtuoso y a la vez sentirse como pez en el agua con cada uno de ellos. Para este concierto en Madrid El Amir se unirá a Stanley Clarke Band en algunos temas para hacer una fusión con elementos flamencos, mediterráneos y jazz-funk.

ENTRADAS YA A LA VENTA AQUÍ

Información facilitada por ZOOMUSIC

Mark Guiliana y Daymé Arocena

inauguran este jueves JAZZMADRID´17

Festival Internacional de Jazz de Madrid, 

del 2 al 30 de noviembre de 2017

Un festival lleno de conciertos, conferencias, cine, masterclass, literatura y exposiciones.

El baterista que nos descubrieran Avishai Cohen y Brad Mehldau asume la gran responsabilidad de subirle el telón a la gran fiesta del jazz en Madrid

La cantante cubana presentará su explosiva mezcla de jazz, rumba y soul reconocida por el productor británico Gilles Peterson

El festival sacará la música a media tarde con la Nola Brass Band, sonidos de Nueva Orleans que sonarán en la plaza de las Comendadoras

Henri Texier, Tingvall Trio, Marilyn Mazur, Becca Stevens y Shai Maestro, protagonistas del festival en su primer fin de semana

Mark Guiliana es el baterista que hoy todo el mundo quiere, un audaz intérprete que se asomó al mundo de la mano de sus mentores Avishai Cohen y Brad Mehldau. Hoy, convertido en una de las personalidades jazzísticas referenciales dentro de la actual escena, asume la enorme responsabilidad de inaugurar la edición más ambiciosa del Festival Internacional de Jazz de Madrid, JAZZMADRID´17, la gran fiesta del jazz que promueve el Ayuntamiento de Madrid. Este año su programación dobla contenidos, afianza sus valores y se expande por toda nuestra ciudad. No hay duda: la apuesta por este poderoso baterista para subirle el telón al festival es toda una declaración de intenciones, siendo convocado a media tarde en el Auditorio Conde Duque (19.30h), instantes después de que la Nola Brass Band actúe en la cercana plaza de las Comendadoras con su contagiosa propuesta musical conectada al alma y la piel de Nueva Orleans.

           

Conde Duque vuelve a ser escenario principal de JAZZMADRID junto al teatro Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa, donde a partir de las 21.30h le tomará el testigo al baterista la cantante cubana Daymé Arocena, que conquista a todos los públicos con su imaginativa amalgama de jazz, boleros, rumba y soul. La jornada inaugural se completará con la actuación en la sala Bogui del venerable saxofonista Pedro Iturralde, uno de los pioneros del jazz español que comparece dentro del ciclo colaborador “Jazz con sabor a club” que promueve la asociación  de salas de música en directo La Noche en Vivo.

Un año más, JAZZMADRID brinda la oportunidad de descubrir nuevos creadores junto a otros ya consagrados, manteniendo una programación estilísticamente equilibrada y plural que vuelve a reunir a los artistas más relevantes del panorama jazzístico español; crece en artistas y localizaciones; y preservando su decidida apuesta por las mujeres jazzistas y los músicos españoles, con una presencia de un 25% de participación en la programación, respectivamente.

Jazz total y en todas las direcciones

Todas estas señas de identidad quedan magníficamente traducidas sobre los escenarios de JAZZMADRID en su primer fin de semana, contando en Conde Duque con dos iconos del jazz más afilado y creativo, el contrabajista francés Henri Texier y la baterista que Miles Davis amó, Marilyn Mazur. En el teatro Fernán Gómez, por su parte, actuarán efervescentes y heterodoxas propuestas, las que remitirán los pianistas Martin Tingvall y Shai Maestro, y la cantante y compositora Becca Stevens. También habrá tiempo para el disfrute de una atractiva muestra fotográfica en el vestíbulo de Conde Duque, “El jazz según Jean-Pierre Leloir”, con espectaculares imágenes del fotógrafo francés (entrada libre, hasta el 30 de noviembre), y de un acercamiento a las esencias de esta música a través de la primera entrega de la conferencia “Amar el jazz es fácil. I”, a cargo del periodista y director artístico de JAZZMADRID, Luis Martín (salón de actos Conde Duque, sábado 4 de noviembre, 18.00h, entrada libre hasta completar aforo)

Una semana cargada de granes citas, también literarias y teatrales

El irreverente saxofonista Steve Coleman, el audaz pianista Uri Caine y la venerable cantante Sheila Jordan, en Conde Duque; y el guitarrista africano Vieux Farka Touré, el violinista Jean Luc Ponty y la Amaniel Big Band en el teatro Fernán Gómez, ocuparán buena parte de los titulares de la primera semana de JAZZMADRID. Se insiste: sólo un vistazo a los artistas programados dan buena cuenta de que estamos ante un festival que mira al jazz sin complejos, de manera panorámica y total.

La semana se completará en Conde Duque con la realización de una clase magistral a cargo del pianista Moisés P. Sánchez (“El piano en el jazz”, miércoles 8 de noviembre, 16h, entrada libre previa inscripción en actividadescd@madrid-destino.com) y una actividad donde se combina jazz, teatro y literatura, gracias a la lectura dramatizada que realizará la compañía que dirige Juan Carlos Corazza, Teatro de la Reunión, junto al pianista cubano Pepe Rivero: “Escenas del jazz”, con la participación de las actrices Cristina Castaño y Manuela Velasco y el actor Rafa Castejón; se trata de la dramatización de textos jazzísticos de autores como Cortázar, Boris Vian, etc.

  

Programación de JAZZMADRID hasta el 9 de noviembre

CONCIERTOS Y ACTIVIDADES CONDE DUQUE Y FERNÁN GÓMEZ C.C. DE LA VILLA

2 de noviembre – 18.00 h

Plaza de las Comendadoras

Pasacalles de bienvenida al festival

NOLA BRASS BAND

2 de noviembre – 19.30 h

Centro Cultural Conde Duque - Auditorio

MARK GUILIANA JAZZ TRIO

Precio: 12 € / Reducida: 10 €

2 de noviembre – 21.30 h

Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa –DAYMÉ AROCENA

Precio:25 € /Reducida:23 €/Amigos FG: 22 €

3 de noviembre – 18.00 h

Centro Cultural Conde Duque – S. de Actos

Conferencia: Amar el jazz es fácil I.

Por Luis Martín

Entrada libre hasta completar aforo

3 de noviembre – 19.30 h

Centro Cultural Conde Duque - Auditorio

HENRI TEXIER HOPE QUARTET

Precio: 12 € / Reducida: 10 €

3 de noviembre – 21.30 h

Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa –TINGVALL TRIO

Precio:16 € /Reducida:14 € /Amigos FG: 13€

4 de noviembre – 19.30 h

Centro Cultural Conde Duque - Auditorio

MARILYN MAZUR GROUP

Precio: 12 € / Reducida: 10 €

4 de noviembre – 21.30 h

Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa –BECCA STEVENS – Regina Tour

Precio: 18 € / Reducida: 16 € / Amigos FG: 15 € 11

5 de noviembre – 18.00 h

Plaza del Descubrimiento

Pasacalles de bienvenida al festival

NOLA BRASS BAND

5 de noviembre – 20.00 h

Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa –SHAI MAESTRO TRIO

Precio: 20 € / Reducida: 18 € / AmigosFG: 17€

7 de noviembre – 19.30 h

Centro Cultural Conde Duque - Auditorio

STEVE COLEMAN AND FIVE ELEMENTS

Precio: 15 € / Reducida: 12 €

7 de noviembre – 21.30 h

Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa –VIEUX FARKA TOURÉ

Precio: 20 € / Reducida: 18 € / AmigosFG: 17€

8 de noviembre – 16.00 h

Centro Cultural Conde Duque - Auditorio

URI Masterclass MOISÉS P. SÁNCHEZ

Entrada libre previa inscripción en actividadescd@madrid-destino.com

8 de noviembre – 19.30 h

Centro Cultural Conde Duque - Auditorio

URI CAINE

Precio: 12 € / Reducida: 10 €

8 de noviembre – 21.30 h

Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa –JEAN LUC PONTY & HIS BAND

Precio: 20 € / Reducida: 18 €/Amigos FG:17 €

9 de noviembre – 19.30 h

Centro Cultural Conde Duque – S. de Actos

Literatura y jazz: ESCENAS DEL JAZZ

Teatro de la Reunión+Pepe Rivero

Entrada libre previa retirada invitación en taquilla 1 hora antes

9 de noviembre – 19.30 h

Centro Cultural Conde Duque - Auditorio

SHEILA JORDAN

Precio: 12 € / Reducida: 10 €

9 de noviembre – 20.00 h

Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa –AMANIEL BIG BAND

Entrada gratuita previa recogida de invitación

Y también..

Michael Olivera Group en el Circulo de Bellas Artes dentro del ciclo “Jazz Circulo” (2 de noviembre), y los conciertos de “Jazz con sabor a club” de la Noche en Vivo, entre los que cabe destacar Gilad Hekselman Trio. Mar Turner (3 de noviembre) y Miguel Zenon Quartet (7 de noviembre), ambos en Clamores. En El Despertar Café Jazz, Noa Lur (3 de noviembre) y Mely Bernet (4 de noviembre). En Gruta 77, The Sakers (3 y 4 de noviembre) y en Tempo Club, Paula Gómez (3 de noviembre).     

Más información, material gráfico y venta de entradas:

www.festivaldejazzmadrid.com

http://condeduquemadrid.es/

https://www.teatrofernangomez.es/

Información facilitada por esmadrd.

SOMOS MUY VISCERALES

Viscerales o no, desde luego lo que sí que son es muy creativos. Que el nombre no te despiste, pues la banda es madrileña y nos trae un puñado de buenos temas de auténtico blues en todas las variantes posibles. Eso sí, con su sello particular: un sonido reconocible y personal que sorprenderá y hará las delicias de todos los seguidores de este estilo.

 ¿Cuándo y cómo nace Memphis Train?

Borja (bajista) y Víctor (voz y guitarra) iniciaron la banda, Alejandro Sierra (piano, órgano y voz) se sumó a los pocos meses junto con un armonicista que ya no forma parte del grupo. Dos años después llegaría Jorge que daría más identidad y consistencia a nuestro sonido (también pasaron varios baterías por la formación). En 2015 grabamos nuestro primer disco y en el segundo es cuando entra Miguel configurando la plantilla actual.

Vuestra música muestra influencias claras del blues, el jazz, el soul… ¿De poneros alguna etiqueta, cuál sería?

Mayormente blues. Nos gustan también el soul y el funk, por ello los mezclamos un poco. Hacemos un blues variado y divertido, muy enfocado al público. En nuestra opinión no hay un único blues, sino que hay muchos “bluses”.

Habladnos de “Beatin’ around the blues” ¿Qué destacaríais de él?

Es un disco más elaborado que el anterior. Nuestro primer álbum era más espartano. Éste está más pensado y hemos tenido más tiempo y dinero para invertir. Tiene más identidad, creemos que por fin hemos encontrado nuestro propio estilo.

¿Qué criterios seguís a la hora de crear vuestro repertorio?

No hay criterios, somos muy viscerales. Básicamente hacemos lo que nos sale según el momento. Si de entrada no nos llama mucho algo que estamos tocando, solemos abandonarlo. Nuestra forma de trabajar ha sido la siguiente: las primeras canciones las escribimos con tiempo y las tocamos en algún concierto para testarlas un poco y en ensayos posteriores las acabamos de arreglar. Las últimas en cambio tuvieron que gestarse sobre la marcha en el poco tiempo que nos restaba. Quedábamos en casa de Víctor y poníamos ideas en común.

¿Qué cosas cambian a la hora de grabar en el estudio y a la hora de tocar en directo?

Creemos que nada. Grabamos todo juntos, en cualquier sala podemos reproducir perfectamente lo que suena en nuestro disco. Únicamente se grabaron a posteriori algunas voces y coros, pero no hay ninguna instrumentación de más.

¿Y vuestros proyectos son…?

Primeramente presentar el álbum en vivo en la sala El Intruso de Madrid este viernes 17 y seguir haciendo promoción donde podamos. Lo cierto es que todos tenemos también otros proyectos paralelos, aparte de Memphis Train, al que siempre damos prioridad. De hecho algunos de nosotros ya habíamos tocado anteriormente juntos en otras formaciones.

SENTIDO Y SENSIBILIDAD

Una de las sorpresas antes de acabar el año ha sido la irrupción de esta banda formada por cinco músicos de diversa trayectoria que se han unido para dar forma a un proyecto lleno de elegancia y que se disfruta desde la primera escucha.

Las etiquetas nunca son definitivas pero sí orientativas ¿Cuáles podrían aplicarse a vuestra música?

Improvisamos la etiqueta de jazz-folk-pop porque nos lo preguntaron en una promo y había que decir algo, pero fue casi obligado. No creo que haya un estilo claro. Si bien es cierto que tenemos un componente folk importante quizá no tan alejado del bluegrass, pero siempre mezclado con clásico y composiciones complejas. Incluso en algunos temas usamos violín y trío de cuerdas, va por momentos.

Encontramos las letras muy interesantes. Con un aire nostálgico y muy introspectivo ¿Quién las escribe?

Son todas de Lorea, la vocalista, excepto tres temas que se basan en poemas de Lorca y una letra de su amiga Cristina Peregrina. Sí que tienen un punto agridulce y evocador, a veces melancólico, que invita al recogimiento y la meditación. Huimos de la prisa, nuestras canciones buscan de algún modo parar el tiempo.

¿Lleva muchas horas de creación y ensayo conseguir esas texturas tan envolventes que tiene vuestro sonido?

Somos una banda compuesta por músicos que estamos tocando a la vez en diversos proyectos, esto en el mundo del jazz se da mucho. Al tener pocas posibilidades de ensayar juntos hemos creado nuestro sonido desde el arreglo. Una vez concebida la canción, la cocinamos dándole muchas vueltas. Sin ensayar demasiado conseguimos hacerlo funcionar, teniendo en cuenta las cualidades de cada músico y tratando de exprimir nuestros respectivos instrumentos. Cada canción tiene su universo pero siempre subyace un concepto general.

Hablando de conceptos, uno que tenéis muy claro es que el de que vuestra banda es un concepto global en el que todos tienen su protagonismo.

Así lo creo, y estamos muy convencidos de ello. El proyecto como banda es importante para nosotros. Hay momentos para que cada uno pueda destacar pero siempre siguiendo todos integrados.

¿Cómo va a ser la presentación de vuestro disco en vivo?

El miércoles 7 de diciembre en la sala Galileo Galilei de Madrid. Llevaremos absolutamente toda la instrumentación del disco incluyendo un trío de cuerdas. Habrá un par de sorpresas en el repertorio y el orden de las canciones será básicamente el del álbum ya que hay una historia que pretendemos contar.

¿Y qué viene luego?

Luego a seguir moviendo el proyecto. Dar conciertos y toda la guerra posible con Boreal en festivales y salas por la geografía española y fuera. Los diferentes proyectos de cada uno nos obligan a programarlo todo siempre con meses de antelación.

 FOTOS: JAVIER ECHANOVE

REINVENTÁNDOSE A SÍ MISMOS

La banda nos sorprende con un disco muy especial en el cual rescatan temas de su propio repertorio llevándolos a otro terreno más cercano al de una big band. Grabado en directo y con nuevos arreglos, el disco  nos permite disfrutar de canciones ya conocidas pero vestidas para la ocasión de forma diferente, tan atractiva como inesperada.

 

Vivimos en la era de la fusión. ¿Hasta cuántos estilos distintos se aglutinan en este nuevo disco?

La base continúa siendo rock, aunque somos un tanto negados a poner etiquetas. A eso le puedes añadir jazz, reggae, latin jazz y funk. Se trata de una edición limitada de tan sólo 350 copias que incluye vinilo, cd y además el vídeo de la sesión, que estará disponible en HD  mediante un código de descarga.

Por primera vez os autoeditáis y lo hacéis todo vosotros ¿Ha supuesto una carga o un alivio?

¡Un alivio desde luego que no! Hemos tenido que darle muchas vueltas a cómo enfocar la nueva perspectiva, grabarlo, mezclarlo… incluso venderlo. Es una especie de experimento puesto que somos de todo menos promotores y distribuidores. Es una pena que los artistas nos tengamos que dedicar a tareas propias de comunity mánagers, cámaras, representantes… ojalá pudiéramos ocuparnos sólo de componer y tocar. Esta necesidad ha hecho que ahora veamos la música como una empresa y que tengamos que hacer números.

“En tus ojos” ha sido elegida como el primer single. Con ese estribillo tan contagioso no nos extraña ¿Estaba especialmente pensada para serlo?

Sí, es algo hecho a conciencia. A veces haces un disco muy meditado y madurado durante años pero en esta ocasión hemos hecho exactamente lo que nos apetecía. Creemos que nuestro potencial creativo nos permite tratar de abarcar un público amplio.

¿Entonces esta vez no ha sido un proceso tan largo?

Se trata de canciones recuperadas de otros discos. Todo se ha gestado de forma muy natural. La idea la teníamos ya desde hace tiempo, queríamos añadir metales, percusiones, y conseguir un sonido más brillante. David Lerman supo captar nuestra visión y cómo queríamos transformar las canciones. No fue un trabajo muy largo pero sí intenso porque teníamos una fecha, pero sin ir tampoco contra reloj.

¿Qué diferencias hay entre vuestro disco y vuestro directo?

Precisamente este disco viene a ser una mezcla de ambos. En estudio los temas llevan muchos arreglos y detalles pero siempre procurando no pasarnos, buscando el punto de inflexión que nos permita amoldarnos al otro terreno. Consideramos que el directo es nuestro plato fuerte, gracias a ello nos hemos atrevido con esta grabación, en la que el tener que  concentrarlo todo en una sola toma no nos permitía relajarnos.

¿Lo más inmediato que os toca hacer ahora?

Presentar el disco por todo el país. Y a finales de años empezar el próximo, que esperamos tener acabado para marzo del 2017. Ahora mismo estamos ya componiendo y compaginando lanzamiento y conciertos.

DE SENEGAL PARA EL MUNDO

Tuvimos la suerte de asistir al concierto de Malick en la sala Intruso de Madrid y poder charlar con él un rato para que nos contara algo más sobre su música y la estupenda acogida que está teniendo fuera de su país.
 

¿A qué edad empezaste a tocar la guitarra?

Fue a los catorce o quince años allí en Senegal con un tío mío que tocaba. Luego fui aprendiendo más cosas de otros guitarristas y de un libro de acordes que cayó en mis manos.

¿Qué tipo de música es la que habitualmente escuchas? ¿Tienes algo que ver con la que haces?

De pequeño escuchaba más jazz y rock. Con el tiempo comencé a trabajar la música tradicional de mi país y luego busqué crear un estilo que fuera una mezcla de ésta con blues y jazz.

¿Crees que el mundo de hoy se está volviendo por fin más receptivo a otros tipos de música más allá de la anglosajona?

El público siempre busca cosas nuevas y sus oídos agradecen oír algo como esta combinación de folklore con otros estilos. Intento que cualquier persona del mundo pueda apreciarla y disfrutarla de igual manera.

¿Qué mensaje quieres transmitir mediante tus canciones?

Mi mensaje es un puñado de cosas que nos interesan a todos, como puede ser el amor bajo diversos puntos de vista. Y también abordo temas tan serios como el de la emigración de África a Europa, algo que en realidad no merece la pena porque luego es muy complicado conseguir permisos, trabajo, dinero… hay que pensárselo mejor antes de cruzar el océano en una patera.

¿Qué conoces de la música española?

Conozco bastante, mis favoritos son Chambao, Vicente Amigo, Paco de Lucía y Enrique Morente, con quien tuve la suerte de colaborar en 2005.

¿Cuál es tu objetivo inmediato?

Ahora promocionar el disco en todo el mundo. Estaré presentándolo en Granada el 22 de enero en Booga Club y en Sevilla el 23 en la sala Malandar.

FOTOS: SILVIA CANTERO

CON EL ALMA ENTRE SANTANDER Y NUEVA YORK

La carrera de Jimmy Barnatán está cuajada de experiencias que desde los quince años ha ido acumulando en distintas facetas hasta alcanzar la madurez que se hace patente en MotorClub, su cuarto álbum. En él vuelve a aglutinar blues, jazz y rock en un cóctel goloso y adictivo que no podemos dejar de saborear.

Aun siendo joven tienes a tus espaldas una larga carrera ¿cuál ha sido el camino para llegar hasta aquí?

Con tan sólo once años ya estaba inmerso en el mundo de la música (empecé participando en Los Miserables) y más tarde formé parte de diversas bandas de blues en Nueva York. Fue gracias a mi mánager, Juantxu Álvarez, que decidí por fin profesionalizarme y convertir lo que al principio era un hobby en una forma de vivir. Hace seis años que publiqué mi primer disco y ya vamos por el cuarto.

¿Cuál es el concepto de MotorClub, tu nuevo álbum?

Una vez más vuelvo a fusionar diferentes músicas de raíces americanas, aunque esta vez la forma de componer ha sido algo diferente. Lo hacemos Sergio (el guitarrista) y yo creando la melodía de forma muy fluida y luego yo acabo encajando las letras. No nos complicamos en laberintos musicales ya que componemos sin la presión a que se ven sometidos los autores de otros géneros más pretenciosos que buscan llegar a un público lo más amplio posible. Nosotros nos ceñimos simple y llanamente a hacer lo que nos apetece.

¿Y de qué hablan esas letras?

Yo llamo al blues el género de los géneros. Cubre un espectro conceptual muy amplio, habla de amor, humor, drama, muerte, desamor… trata sobre la vida como lo puede hacer la literatura. Algunas de mis letras se basan en experiencias vitales y otras entran en el terreno de la ficción. Me gusta hablar de mujeres que me han amado, de otras que no lo han hecho, de viajes, de lugares… Por ejemplo de dos ciudades tan dispares como son Santander y Nueva York, que para mí tienen un significado especial ya que ambas representan el paraíso perdido de mi infancia.

¿Cambian mucho las canciones de cómo son en principio a como quedan una vez terminadas?

Tratamos de que el resultado sea lo más parecido posible a lo que habíamos pensado. Es puramente una cuestión del género. Yo creo en la libertad musical, de modo que durante los ensayos o en la grabación cada músico puede también aportar ideas que enriquezcan el trabajo.

¿Existe diferencia entre lo que se graba en el disco y lo que luego suena en directo?

Básicamente ninguna. A diferencia de otros estilos, el blues necesita una gran elasticidad que sólo puede conseguirse mediante la grabación en vivo. De modo que nos metemos todos los músicos a grabar a la vez en el estudio y después sólo se añaden algunos arreglos y retoques.

¿Cómo ves la escena del jazz y el soul en España?

La veo estupenda en cuanto a los músicos. Otro tema es la escasa repercusión que tiene entre los promotores, ayuntamientos y muchas emisoras de radio que se dedican solamente a inyectar productos baratos para la masa. No existe ningún apoyo para que géneros como el blues puedan salir a flote de la misma manera. En otros países el público es más receptivo y no está tan manipulado por las multinacionales.

¿Qué proyectos inmediatos tenéis entre manos?

El día 8 hacemos la presentación en Santander y tenemos previsto ir a Nueva York en octubre. También estamos inmersos en la composición de la banda sonora del documental “Las Hurdes, Tierra con Alma” con la actriz Adriana Ugarte. Para estar al día de nuestra agenda basta con asomarse a  @jimmybarnatan tanto en Twitter como en Instagram.

FOTO: PAUL AINAS

UN BUEN PLATO DE FUSIÓN

Desde el principio Sostenible, lo dicen los astros se revela como un disco  agradablemente fácil de escuchar. La instrumentación es rica sin ser recargada y la simbiosis de pop, jazz, blues y un “no se sabe bien qué” funciona en todo momento. De modo que las seis canciones que conforman este ep se deslizan casi sin sentir pero dejando un poso que se degusta durante mucho rato aun después de haberlo digerido.

De entrada llaman la atención las letras. Entre lo surrealista y el discurso social, la banda desgrana una serie de temáticas, tanto actuales como perennes, que despiertan una complicidad inmediata y provocan que se las escuche con avidez. Desde el cinismo agridulce de Circunstancias hasta el canto de esperanza de Dulces y golosinas, pasando por la nostalgia de ¿Los años volverán? y la intensidad de Tirantes de papel vemos que no hay ninguna canción de relleno. La voz franca y urbana de David Mas y la atmósfera creada por los músicos invitan a dejarse llevar. No hay ritmos frenéticos ni gritos altisonantes, Carpaccio Bit se decanta más por un sonido envolvente y una interpretación que bebe principalmente de la vieja escuela de cantautores.

Un experimento cuyo resultado estamos seguros ha debido sorprender a los propios integrantes de la formación. La suma de sus respectivas sensibilidades ha dado como fruto un trabajo sólido que debe ganar aún más puntos en su versión en vivo y del que esperamos más en el futuro puesto que seis temas nos han sabido a poco.