TANNY MAS

FUNKY MADE IN SPAIN

Tanny Mas nos trae música para moverse y para escuchar. Un abanico de estilos se entrecruzan y complementan a la perfección dentro de este álbum titulado sencillamente Thank You. Un total de dieciséis cortes para disfrutar desde el primero hasta el último.

¿Cómo ha sido el camino para llegar hasta aquí?

Pues todo da comienzo en Mallorca, donde formo mi banda. Llevo treinta y cinco años dedicado a la música, acompañando a artistas y tocando en diversos locales con público sobre todo alemán. Allí nos vio un empresario que nos contrató primero para una fiesta y luego para grabar un disco.

¿Por qué este estilo?

De pequeño me pasaba el día escuchando en el tocadiscos de mi padre a artistas como Frank Sinatra, Al Jarreau o Earth, Wind and Fire. Había tradición de músicos en mi familia y así aprendí mis primeros acordes de guitarra. Fui al conservatorio de Mallorca y a los quince cambié lo clásico por el bajo y la guitarra, el funky y el rock.

¿Crees que en nuestro país existe un cierto vacío en este terreno?

Lo cierto es que no se promociona ni se mueve. El mercado está colapsado por el reggaetón y la canción melódica de raíces flamencas. Parece que no se hiciera otra cosa aquí, lo cual desde luego no es verdad.

¿A quién va dirigido el “Thank You” que da título al disco?

El álbum se titula así para agradecer a todos los que han depositado en él su esfuerzo y dedicación para que el proyecto saliera adelante. Solo nunca lo habría conseguido.

¿Dónde se ha grabado y qué podemos encontrar en él?

Se grabó con el sello discográfico True Ilusions en los estudios Team 33 de Palma de Mallorca bajo la producción de Luís Rodríguez, que ha trabajado con gente como Modern Talking. Hay un tema escrito por mí titulado Home, el resto son canciones compuestas por diversos autores. El primer single elegido es Dame la luna, una balada con tradición ochentera y que ha sido número uno en itunes durante una semana.

¿Y qué es lo próximo?

Promocionar el disco todo lo posible y esperamos poder hacer una presentación en Madrid para enero.

JUAN CARLOS LOBO

TE HARÁ BAILAR

El lobo aúlla de nuevo y da un paso adelante ofreciéndonos un single con un sonido más moderno y urbano dispuesto a seguir ampliando público. Nos dedicó unos minutos para contarnos acerca de este nuevo lanzamiento tan lleno de energía y positivismo.

¿Qué crees que ha hecho que la salsa sea la reina de los ritmos latinos?

Es un género que no muere porque desde hace muchos años se ha convertido en un ritmo bailable. Una fiesta sin salsa no es fiesta. El pop es para escuchar, la salsa es para disfrutar y olvidar los problemas, por eso no pasa de moda.

Cantas en grupos desde que eras un niño, ¿cómo te sientes en este momento de tu carrera en el que estás solo ante el peligro?

Con un grupo te sientes arropado. El compromiso es mayor como solista. En cada concierto tienes que darlo todo pero también la satisfacción es mayor.

“Ven báilame” es un sencillo muy desenfadado y que es imposible escuchar estando quieto. ¿Fue una elección difícil? ¿Se quedaron muchas canciones en el tintero?

El repertorio para este año era amplio. Lo hemos hecho más urbano porque es lo que está de moda. La salsa convencional no la capta demasiado la juventud de ahora. Antes la gente era más romántica, ahora se busca la diversión, la discoteca… en fin, hay que dar al público lo que pide.

¿Y te gusta también interpretar otros temas más lentos e intimistas?

Siempre he sido un cantante romántico, pero ahora gusta la marcha. Aunque un video con una balada cantada en la playa es siempre una buena idea ya que en el disco debe haber variedad.

¿Conoces algo de música española?

Me gustan mucho La Barbería del Sur, hacen un flamenco muy personal que se ha mantenido durante años. También Alejandro Sanz por sus composiciones y su forma de interpretar, sin olvidar a David Bisbal, una de las mejores voces de Iberoamérica. 

¿Con quién te gustaría grabar un dueto?

Sin dudarlo, sería con Juan Luís Guerra. Creo que es el mejor complemento que podría encontrar para hacer música y además es muy querido en todo el mundo. Sería un sueño.

¿Y cuáles son ahora mismo tus proyectos inmediatos?

Tras el lanzamiento de Ven Báilame y el rodaje del videoclip en Madrid y en Italia con un artista de reggaetón, tengo conciertos en diciembre en Bogotá, Tokio y los Carnavales de Tenerife. Espero tener terminado el disco para abril o mayo del año que viene y en verano hacer galas por España y Europa.

BOREAL

SENTIDO Y SENSIBILIDAD

Una de las sorpresas antes de acabar el año ha sido la irrupción de esta banda formada por cinco músicos de diversa trayectoria que se han unido para dar forma a un proyecto lleno de elegancia y que se disfruta desde la primera escucha.

Las etiquetas nunca son definitivas pero sí orientativas ¿Cuáles podrían aplicarse a vuestra música?

Improvisamos la etiqueta de jazz-folk-pop porque nos lo preguntaron en una promo y había que decir algo, pero fue casi obligado. No creo que haya un estilo claro. Si bien es cierto que tenemos un componente folk importante quizá no tan alejado del bluegrass, pero siempre mezclado con clásico y composiciones complejas. Incluso en algunos temas usamos violín y trío de cuerdas, va por momentos.

Encontramos las letras muy interesantes. Con un aire nostálgico y muy introspectivo ¿Quién las escribe?

Son todas de Lorea, la vocalista, excepto tres temas que se basan en poemas de Lorca y una letra de su amiga Cristina Peregrina. Sí que tienen un punto agridulce y evocador, a veces melancólico, que invita al recogimiento y la meditación. Huimos de la prisa, nuestras canciones buscan de algún modo parar el tiempo.

¿Lleva muchas horas de creación y ensayo conseguir esas texturas tan envolventes que tiene vuestro sonido?

Somos una banda compuesta por músicos que estamos tocando a la vez en diversos proyectos, esto en el mundo del jazz se da mucho. Al tener pocas posibilidades de ensayar juntos hemos creado nuestro sonido desde el arreglo. Una vez concebida la canción, la cocinamos dándole muchas vueltas. Sin ensayar demasiado conseguimos hacerlo funcionar, teniendo en cuenta las cualidades de cada músico y tratando de exprimir nuestros respectivos instrumentos. Cada canción tiene su universo pero siempre subyace un concepto general.

Hablando de conceptos, uno que tenéis muy claro es que el de que vuestra banda es un concepto global en el que todos tienen su protagonismo.

Así lo creo, y estamos muy convencidos de ello. El proyecto como banda es importante para nosotros. Hay momentos para que cada uno pueda destacar pero siempre siguiendo todos integrados.

¿Cómo va a ser la presentación de vuestro disco en vivo?

El miércoles 7 de diciembre en la sala Galileo Galilei de Madrid. Llevaremos absolutamente toda la instrumentación del disco incluyendo un trío de cuerdas. Habrá un par de sorpresas en el repertorio y el orden de las canciones será básicamente el del álbum ya que hay una historia que pretendemos contar.

¿Y qué viene luego?

Luego a seguir moviendo el proyecto. Dar conciertos y toda la guerra posible con Boreal en festivales y salas por la geografía española y fuera. Los diferentes proyectos de cada uno nos obligan a programarlo todo siempre con meses de antelación.

 FOTOS: JAVIER ECHANOVE

EL HOMBRE GARABATO

EXORCIZANDO LOS DEMONIOS INTERIORES

Los granadinos vuelven a la carga con nuevo trabajo. Esta vez con un sonido más contundente y descubriéndonos facetas suyas que no habían mostrado hasta el momento. Ellos mismos nos lo cuentan.

¿Qué evolución podemos apreciar en este nuevo disco con respeto al anterior?

Es un disco mucho más introspectivo. Es un viaje interior en el que narramos musicalmente lo que cuentan las letras. Supone un nuevo paso adelante en nuestro universo, con un sonido un tanto más duro en todos los instrumentos. Es algo que surgió tras acompañar a José Antonio García con su repertorio de TNT, aquella forma de tocar nos sedujo.

Los títulos de las canciones tienen algo de épico y las letras resultan más oscuras y combativas ¿Era esa la intención?

Sí, sin duda. El disco anterior fue muy inmediato y lleno de energía, en éste hay mucho más contenido de crítica social y de mirar hacia dentro.

¿Cómo ha sido la creación y el proceso de grabación esta vez?

Todo muy natural, las canciones han ido llamando al disco. Partimos de “La sombra de un gigante” que nos pareció llamativa y decidimos hacer un disco conceptual.

¿Entonces el que el disco os haya quedado así no es en absoluto fruto de la casualidad?

Ha sido algo totalmente premeditado. Hemos compuesto literalmente cada tema siguiendo un hilo conductor. Tiene un sentido y todo guarda coherencia con la temática central.

¿La presentación se hará…?

En la sala Honky Tonk de Madrid este viernes 2 de diciembre a las 21:30

¿Y qué proyectos estáis ya barajando para el futuro?

Por lo pronto defender el disco en directo. Está cobrando fuerza la idea de hacer una trilogía a partir de él. Pero eso está por ver puesto que las canciones son las que mandan y deciden por ti, igual resulta que nos vuelve a salir algo más luminoso.

LEBLOND

BORRÓN Y CUENTA NUEVA

Tras una intensa trayectoria con varios álbumes a sus espaldas, leBlond no deja de sorprender a todos con su creatividad y su gran capacidad de trabajo. Regénesis es la prueba palpable de ello. Un flamante número uno en España que les sitúa en la cresta de la ola. Richard Maltés, alma mater del proyecto, nos revela las claves de su éxito.

“Regénesis”, como su propio nombre indica, viene a ser una especie de reinvención de leBlond?

Es un renacer de leBlond, es una vuelta a empezar y es un comienzo desde cero. Abandonamos la electrónica, que era el género que hacíamos antes, para hacer pop-rock, es decir, es un cambio total. Es una búsqueda de la honestidad haciendo lo que realmente me gusta ahora a la edad que tengo.

Pero eso no significa ni mucho menos que reneguéis de lo que habéis hecho antes ¿a qué es debido este deseo de cambiar?

No, para nada, me encanta todo lo que hemos hecho anteriormente, me gusta la electrónica y la música dance, me gustan muchos géneros. Pero es verdad que en los últimos años he estado escuchando mucho más pop, rock, indie, y éste era el disco que me apetecía hacer.

¿Y, aparte del sonido, qué otras diferencias destacarías con respecto a otros trabajos vuestros?

Este es un disco mucho más emocional. Los otros discos eran bastante más lúdicos, había también canciones emotivas pero éste en concreto es como un resumen de mi vida. Hay canciones que hablan de mi infancia, de mi adolescencia, de las relaciones que he tenido, de mi actual soltería…

¿Puede decirse que te has desnudado un poco en el disco?

¡Un poco no, ha sido un desnudo integral! La gente que me conoce entiende las canciones y sabe de lo que hablan y es verdad que quedo muy expuesto en él.

Con tantos vídeos, conciertos, el disco de los ochenta, el nuevo álbum… ¿tú cuándo descansas?

¡Es que no descanso! ¡Hace tanto que no lo hago…! Y además ahora estamos produciendo muchas cosas para otra gente, acabo de grabar un vídeo para un grupo llamado Contrabandeando, y me estoy orientando también a más facetas, aparte de la musical. También sigo haciendo algo de televisión, en fin, un poco de todo.

¿Qué más sorpresas guardáis en la manga?

Volvemos al barco ochentero, un crucero por el Mediterráneo que lleva a grupos antológicos de los ochenta pero creo que la verdadera sorpresa ha sido publicar este disco. Es el disco que nadie pensaba que podríamos hacer, nuestros seguidores sin duda no lo esperaban.

¿Y en cuanto a videoclips?

Hay uno en camino muy divertido para el tema “Un día de furia” ambientado en un gimnasio. Es una canción que ninguna emisora se atreverá a pinchar por la cantidad de tacos que contiene, ja, ja.

¿Y la presentación en vivo del disco cuándo y dónde?

Estaremos haciéndola el 2 de diciembre en Alcalá de Henares en La dulce Harley, un bar enorme con chicas rockeras en la barra vestidas de cuero y también haremos otra en Madrid en breve.

ALEJANDRA BURGOS

DESDE ARGENTINA CON ACTITUD 

Pocas mujeres hay en el panorama actual del continente americano con la fuerza, la presencia y el talento de Alejandra Burgos. Un torbellino en el escenario y una mente inquieta cuya creatividad se escapa a borbotones. 

Oyéndote cantar, y la música que haces, cuesta creer que no seas anglosajona. ¿Crees que hemos llegado a ese punto en que un artista de cualquier rincón del mundo puede hacer buen pop con solvencia?

Si, en realidad creo que cualquiera desde cualquier parte del mundo puedo hacer una buena canción pop de calidad.

¿Tenías claro desde el principio exactamente lo que querías hacer al grabar tu álbum “The things I’ve done? ¿Cómo describirías el disco?

Es un álbum bastante pop/blusero en plan más acústico que lo que desprendo en vivo, y tiene bastante variedad de canciones, aunque estoy buscando llegar a mostrar más registros y matices, desde lo más chiquito, o una balada súper profunda, a un tema mucho más rockero con mucha actitud. La verdad es que no sabía exactamente qué es lo que quería hacer antes de grabar el disco. Fui haciendo lo que sentía, de hecho y he grabado las canciones en diferentes lugares como Londres, Argentina, Francia y España. Y después todo se fue acomodando.

Tu voz viaja de lo risueño a lo histriónico a lo largo de un álbum lleno de sonidos y ritmos diferentes. ¿Eres de la opinión de que “en la variedad está el gusto”?

Sí, el álbum muestra variedad, y por un lado es mi gusto y opino que uno no siempre cuenta historias de la misma manera, entonces, lo mismo con las canciones ...se cuentan como se sienten. 

¿Te sientes más libre en solitario a la hora de hacer música?

En un punto hay un poco más de libertad  tocando en solitario porque no hay a nadie a quien seguir ni nadie que te siga… pero en realidad una de las cosas más lindas de hacer música es compartir con otros músicos y disfrutar de esa energía e intercambio. 

Has compartido escenario con grandes artistas ¿con cuál te gustaría hacerlo en un futuro si tuvieras la oportunidad?

Tocar con artistas del nivel de Alice Cooper, Michael Schenker (guitarrista de Scorpions), Anastacia y Gloria Gaynor, ha sido una de las experiencias que me han enseñado más y algo que nunca olvidaré. Me gustaría cantar algún día junto a Mc Cartney, Dave Grohl o Steven Tyler: ¡¡Algunos de mis sueños!!

¿Cuáles son tus proyectos inmediatos?

Mis proyectos más próximos son componer los meses siguientes para ir al estudio en invierno y comenzar con mi nuevo álbum, y tocar más en Madrid. También estoy organizando para arrancar otra temporada de coaching  a artistas que recién están incursionando en el mundo del arte.

A POR ELLA RAY

VIENEN A POR TODAS

Con un sonido envolvente y particular, grandes dosis de lirismo en sus letras y muchas ganas de compartir su trabajo con el público llegan A por ella Ray trayendo un flamante disco bajo el brazo que no te puedes perder: Turista.

 

Por fin tenéis vuestro primer larga duración en la calle ¿Ha sido un parto difícil?

Si a largo se le puede considerar difícil, entonces sí…  Pero por lo demás ha sido un proceso muy bonito e enriquecedor para todos nosotros; incluso nos atrevemos a decir que hasta terapéutico para alguno; sobre todo por la época en la que se grabó.

Vuestro estilo se caracteriza por un sonido indie-rock muy atmosférico, a veces suave, a veces épico, y con la voz bien centrada y en primer plano. Pero ¿cómo lo describiríais vosotros?

Nosotros hacemos rock… Claramente hay indie y pop, con atmósferas, suavidad y épica en nuestra música, pero hacemos rock. Para nosotros siempre ha sido más sencillo definir el estilo de una canción cuando es interpretada por un solo instrumento y una voz; luego la producción te puede llevar a un estilo más que a otro, pero el estilo de una canción lo vemos más claro en su actitud cuando está desnuda.

El tema “Serpientes” tiene un gran contenido de crítica sociopolítica ¿Sentíais la necesidad de expresaros en este sentido?

Serpientes es 50% amor y el otro 50% política; o mejor, mitad desamor y la otra mitad decepción política… Es complicado hoy en día en este país no mencionar temas sociopolíticos al hablar de cualquier otra cosa, dada la situación actual. Quien no lo haga es porque no le preocupa,  porque no le afecta, porque no se atreve y/o porque pertenece a ese 50% de la población española que está a gusto así y además le  beneficia.

Vuestras letras en general son exuberantes y muy curradas. Temas como “Mecanismos”, “Turista” o “Atolón” son buen ejemplo de ello. ¿Dejáis que la música os las inspire, o ya antes de crear una melodía sabéis de lo que queréis hablar?

Los procesos creativos son muy particulares… En este grupo somos varios los autores y cada uno tiene su manera de crear. Si hablo de mí, te puedo decir que a día de hoy aún no sé cómo lo hago y quién fue primero, el huevo o la gallina, pero siempre acabamos aportando nuestro grano de arena todos en cada nueva idea.

¿Dónde se os puede ver tocar próximamente?

Por ahora el próximo 2 de Diciembre en la sala Costello de Madrid.

¿Qué proyectos tenéis para más adelante?

Acabamos de estrenar nuestro segundo videoclip perteneciente a nuestro tema “Ángeles Muertos” en el que aparece un gran amigo de siempre, Ricky Falkner; y un poco más adelante otro vídeo, a modo collage donde aparecerán otros muchos más amigos, ya que todos nosotros llevamos años tocando y trabajando en el panorama musical español. ¡Aunque lo que deseamos es tocar mucho! Eso es lo que más nos gustaría, tocar es lo que le da sentido a todo esto.

FERNANDO TATO

HIMNOS DE DESAMOR

Con el lirismo de un Dylan y la sensibilidad de quien ha sufrido en carne propia cada historia que cuenta, Fernando Tato nos regala un disco repleto de buenas canciones, recuerdos agridulces y una voz profunda y llena de melancolía.
 

“El animal en mí” es claramente un disco hecho con la intención de desfogarse ¿Te has quedado a gusto?

La verdad es que sí. Estoy más tranquilo una vez que he conseguido quitármelo todo de encima.

En tu repertorio se percibe quizá más amargura que felicidad ¿tan mal te ha ido en el amor?

La verdad es que bastante mal pero no hay sentimientos negativos, sólo melancolía. Hay un cierto punto de tristeza pero yo no diría que tanto como amargura

La edición de tu disco contiene un total de quince tracks, incluyendo dos temas en vivo, dos demos, un DVD con un documental y tres videoclips ¿Te has dejado todavía algo en el tintero?

Hay mucho material pero creo que ya está bien como está. Meter más hubiese sido avaricioso.

A veces las canciones parecen tener vida propia ¿Ha ocurrido esto al pasar con ellas del estudio al directo?

Totalmente, me gusta tocarlas con otros instrumentos, pienso que cada canción pide una cosa en cada momento.

¿Qué método utilizas a la hora de componer?

 

No tengo ningún sistema específico. Hay canciones que salen en cinco minutos partir de una frase, otras a partir de una melodía. A veces se acaban en dos horas y otras en cambio pueden tardar diez años en verse rematadas.

¿Y ahora mismo cuáles son tus proyectos inmediatos?

Ahora estoy ocupado con los directos, tocando en todos los sitios posibles y rodando mucho. El jueves 17 de noviembre estaré actuando en la sala “El búho real” de Madrid.  También ando ya escribiendo temas nuevos que aún tardarán en ver la luz.

CARLA PIRES

LA VOZ DEL FADO DE AYER Y HOY

La cantante portuguesa paseó por Madrid su elegancia y su arte en la sala Galileo Galilei para desgranar el contenido de su nuevo álbum “Aquí” y alguna que otra sorpresa. Su capacidad de defender el fado más clásico y combinarlo con otros géneros la convierte en la artista ideal para adentrarse en la música del país vecino a través de su hermosa voz.
 

¿Por qué crees que el fado se mantiene tan vivo por muchas décadas que pasen?

Yo pienso que porque a pesar de ser una canción tradicional de hace tantos años, los nuevos músicos y cantantes buscan nuevos caminos, eso sí, sin desvirtuarlo. Es importante evolucionar, como ocurre con todo en la vida, el fado no es ninguna excepción y de esta forma se intenta hacerlo llegar a más gente.

Háblanos de “Aquí”, tu nuevo disco que has venido a presentar en nuestro país

Es un viaje al mundo de los sentimientos, a las calles de Lisboa, al ayer… Aquí es donde busco la inspiración y aquí es de donde soy.

¿De qué hablan tus canciones?

Siendo el fado una canción del alma, habla de todo lo que me rodea y  me inspira para cantar. De todos modos yo soy más de escenario que de estudio, necesito tener al público cerca para expresarme.

Hay dos temas de los que eres coautora ¿qué nos puedes decir de esta faceta tuya?

 

No me considero poetisa pero para mí es importante cantar lo que siento. Escribo acerca de lo que vivo en mi día a día.

¿Qué te parece el público español y qué reacción buscas conseguir cuando cantas?

Es un público extraordinario. He conseguido hacer llegar la esencia del fado hasta el punto de que algunos me dijeron que habían llorado. Esto es lo que más me emociona, conseguir trasmitir la verdad del fado.

¿Y para el futuro qué planes tienes?

Continuar. Siempre. A veces siento que es difícil pero no puedo parar, es mi sueño hacer cada vez más y mejor.

MIKAN

COMO UN HURACÁN

Con una imagen impactante, canciones de alto nivel y un proyecto de lujo envuelto en oro, negro y plumas, se presenta Mikan. Un nuevo artista que desde luego no va a pasar desapercibido. En esta entrevista descubrimos muy gratamente que tener una personalidad arrolladora no está reñido con la humildad y la cercanía.

Pop, gótica, electrónica, tecno… ¿cómo prefieres definir tu estilo?

En principio sería EDM pero me centro en lo que se escucha aquí y por eso lo que hago es más cercano al pop, sobre todo ahora que aún estoy empezando. Trato de combinarlo con un sonido electrónico aunque mi primer single sea una balada.

 

¿Cómo nace y toma forma el proyecto de Mikan?

Empezó en el año 2013 hablando con Gema G. Ferrer. Quería grabar una versión del clásico “Huracán” como algo personal y de ahí surgió el hacer más temas. En vista del buen resultado se decidió que valía la pena continuar.

¿Cómo se te ocurre versionar el hit de Estefanía de Mónaco?

Porque es un “hitazo” muy potente de los ochenta, que también suena brutal en la versión de Sabrina, y me apetecía muchísimo hacerlo.

¿Crees que puedes llenar un hueco en el mercado español actual?

 

En el género de chicos sí, creo que no hay nada que se parezca a lo mío, soy y sueno bastante diferente.

Aparte del sonido, otras señas de identidad de Mikan son sin duda su poderosa imagen y esa voz grave y profunda ¿qué más añadirías?

Lo cierto es que comencé en el género lírico y me dediqué a hacer versiones de metal operístico, ¡cómo evolucionan las cosas! Además de lo mencionado yo destacaría todo el tema de la estética, la infografía, vestuario, vídeo… yo lo controlo todo. En lo referente a la imagen busco un punto andrógino pero tirando más hacia lo masculino, imprimiendo carácter.

Además de tu disco ¿qué otros proyectos te traes entre manos?

La prioridad absoluta ahora mismo es intentar representar a España en Eurovisión. Es una gran plataforma para cualquiera que desee darse a conocer y ya hemos comprobado que Mikan gusta en sitios tan dispares como Alemania o Japón. También ando en busca de alguna compañía discográfica interesada, que sería muy útil sobre todo a nivel promocional.

YOYO BANANA

EL POP QUE VINO DE MALLORCA

Desde Baleares nos llega una propuesta nueva y original. La creatividad de los isleños da el salto a la península pisando fuerte y con ganas de sorprender. Os presentamos a Yoyo Banana, quedaos con el nombre.

Pregunta obvia: ¿de dónde procede el nombre de la banda?

Es el nombre de un personaje que aparece en un relato del escritor mallorquín Carlos Meneses. Nos pareció que tenía gancho.

Hacéis un pop con cierta lírica, títulos llamativos y magníficos teclados. ¿Qué más diríais que os diferencia del resto de grupos del momento?

Principalmente la voz rota del vocalista, creemos que es un punto a nuestro favor. Además tenemos la suerte de contar con un productor como Thony Bloom, lleno de ideas frescas y nuevas que ha conseguido darnos un estilo personal.

Abrirse camino en el mundo de la música no es fácil hoy, ni lo ha sido nunca. ¿Qué opináis vosotros? ¿A pesar de todo os gustaría convertirlo en vuestro modo de vida?

Claro que nos gustaría y creemos que se puede, pero el camino es largo y profundo. Para llegar hay que sacrificar muchas cosas de tu vida personal y luego hay que ser capaz de mantenerse una vez que se ha llegado.

¿Qué podemos encontrar en “Con permiso de Jenaro Gajardo”, vuestro primer álbum?

Cada tema tiene su historia, es como un viaje. Somos muy dispares entre nosotros y es nuestro productor el que ha conseguido equilibrarnos. Nos gusta pensar que cada canción tiene vida propia.

¿Qué ha sido lo más fácil y lo más difícil hasta ahora?

Coincidimos en que lo más bonito ha sido el proceso de crearlo, es lo que nos gusta.

Y lo más difícil fue encontrar al productor. Sabíamos lo que queríamos hacer y probamos con varios. Finalmente pensamos que alguien nuevo nos ayudaría a hacer algo realmente diferente.

¿Cuáles son vuestras prioridades ahora mismo?

Acabamos de presentar el cd en Mallorca en la sala Red. Ahora estamos centrados en la promoción, buscamos personas que entiendan la esencia de la banda. Tenemos intención de hacer algunas actuaciones en Madrid y en breve grabar nuestro segundo videoclip. También estamos tanteando algunos festivales. Preferimos tocar lo justo y en los sitios realmente interesantes.

NASTASIA ZÜRCHER

UNA VOZ DE ALTOS VUELOS

La sala “El intruso” se llenó de magia con la voz de la cantante más sugerente del momento presentando su álbum “My flight” en un directo de lujo en el que la artista brilló con luz propia. Nos adentramos de su mano en lo que es su primer trabajo en solitario.

Tu música puede definirse como un compendio de géneros, algunos muy distantes entre sí, ¿te resulta complicado tratar de compaginarlos todos?

Todos son géneros por los que me muevo desde hace tiempo y me siento muy cómoda e identificada. Entre ellos está el llamado neo-pop, músicas del mundo, algunos dejes de jazz, etcétera.

¿Cómo se ha gestado tu disco “My flight”?

Las canciones fueron compuestas entre Madrid y Galicia a lo largo de dos años durante los cuales estuve viviendo y formándome en la capital. La grabación se ha hecho en unos estudios situados en Úbeda y Baeza.

¿Te has sentido más libre trabajando por primera vez sola y no como parte de una banda?

Sí y es maravilloso. Lo bueno de haber pasado por otros proyectos donde te tienes que ceñir a lo que te piden es que aprendes mucho. Pero ahora he abierto las alas y tengo plena libertad creativa, que es lo bonito del arte.

Violín, batería, voz, piano… ¿con qué instrumento te sientes más cómoda y qué es lo que te gusta de cada uno?

Comencé con el violín a los seis años porque tenía esa fijación desde los cuatro. Me gustó mucho durante un año y pico y sin duda me abrió la sensibilidad a la melodía.

De la mano de mi hermano Pablo pasé al mundo del ritmo, tengo la suerte de venir de una familia de músicos. A los once comencé las clases de canto, que es algo que siempre captó mi atención por la emoción que puede transmitir. Actualmente mi voz es el instrumento con el que hago carrera y también uso el piano como complemento y sobre todo para componer.

¿Qué es lo que deseas transmitir con este disco?

La sensación de libertad y la toma de conciencia de quiénes somos. Reflexiones que pueden ser mías personales o las de cualquiera. Mi objetivo es conectar primero con la libertad interior y luego con la exterior, por eso el disco se titula “My flight” (Mi vuelo).

¿Y en qué proyectos andas inmersa ahora mismo?

Ahora estoy de gira con el formato de trío, que es el que he elegido para esta serie de conciertos. Llevamos también una beatbox para dar a nuestro sonido un toque pop y neo-soul. Además estoy componiendo ya para el próximo álbum que espero vea la luz a finales de 2017.

SHORTY C

REGGAETÓN CON MENSAJE

Tras "Secreto ordinario" nos llega "Bajo el efecto", el nuevo single de Shorty C que no sólo te hará bailar de lo lindo sino que además nos advierte sobre lo que puede pasar cuando uno se pasa con el alcohol. El artista visita nuestro país para presentarnos este nuevo trabajo.

¿A qué crees que se debe este boom que la música latina viene experimentando durante los últimos años en todo el mundo?

Creo que las redes sociales, e internet en general, están permitiendo a la gente tener más acceso a la música, ayudando a que se expanda. Hay grandes artistas que han abierto el mercado de la música urbana trascendiendo a la juventud, al igual que en generaciones anteriores lo hicieron otros géneros como el bolero o la salsa.

¿Qué aporta Shorty C a este panorama?

Me considero un artista muy polifacético. Me dedico al reggaetón desde los nueve años. Siento que puedo traer un sentimiento positivo a la música, ya que tuve una infancia muy dura y conseguí convertir todo ese sufrimiento en ejemplo de cómo se ha de salir adelante, pero sin olvidarm nunca de dónde vengo.

¿Cuál es el mensaje y la intención de un tema como “Bajo el efecto”?

Hace cosa de tres años me di cuenta de que a la gente le gusta la música que cuenta historias con las que se puedan identificar. Todos alguna vez hemos tomado un poco, o mucho. Bajo el efecto del alcohol somos capaces de hacer cosas de las que luego nos podemos arrepentir.

¿Qué música conoces del mercado español?

De España admiro sobre todo a David Bisbal y a Alejandro Sanz. Y citaré también a Laura Pausini que, aunque no es española, canta maravillosamente bien en español.

¿Te ves a ti mismo algún día haciendo una música diferente, como podrían ser baladas o rock?

No me limito musicalmente. Me dedico a este estilo desde que era niño y creo que es el que se me da mejor, pero como autor me atrevo casi con cualquier cosa.

¿Qué proyectos te traes ahora mismo entre manos?

Ahora mismo ando promocionando este nuevo sencillo, el cual esperamos que dé mucho que hablar. Van a darle bastante caña al tema aquí y espero volver muy pronto. “Bajo el efecto” es el segundo single que se extrae de “Versatility”, mi disco, en el cual muestro distintos estilos dentro de lo urbano.

ESTIRPE

REINVENTÁNDOSE A SÍ MISMOS

La banda nos sorprende con un disco muy especial en el cual rescatan temas de su propio repertorio llevándolos a otro terreno más cercano al de una big band. Grabado en directo y con nuevos arreglos, el disco  nos permite disfrutar de canciones ya conocidas pero vestidas para la ocasión de forma diferente, tan atractiva como inesperada.

 

Vivimos en la era de la fusión. ¿Hasta cuántos estilos distintos se aglutinan en este nuevo disco?

La base continúa siendo rock, aunque somos un tanto negados a poner etiquetas. A eso le puedes añadir jazz, reggae, latin jazz y funk. Se trata de una edición limitada de tan sólo 350 copias que incluye vinilo, cd y además el vídeo de la sesión, que estará disponible en HD  mediante un código de descarga.

Por primera vez os autoeditáis y lo hacéis todo vosotros ¿Ha supuesto una carga o un alivio?

¡Un alivio desde luego que no! Hemos tenido que darle muchas vueltas a cómo enfocar la nueva perspectiva, grabarlo, mezclarlo… incluso venderlo. Es una especie de experimento puesto que somos de todo menos promotores y distribuidores. Es una pena que los artistas nos tengamos que dedicar a tareas propias de comunity mánagers, cámaras, representantes… ojalá pudiéramos ocuparnos sólo de componer y tocar. Esta necesidad ha hecho que ahora veamos la música como una empresa y que tengamos que hacer números.

“En tus ojos” ha sido elegida como el primer single. Con ese estribillo tan contagioso no nos extraña ¿Estaba especialmente pensada para serlo?

Sí, es algo hecho a conciencia. A veces haces un disco muy meditado y madurado durante años pero en esta ocasión hemos hecho exactamente lo que nos apetecía. Creemos que nuestro potencial creativo nos permite tratar de abarcar un público amplio.

¿Entonces esta vez no ha sido un proceso tan largo?

Se trata de canciones recuperadas de otros discos. Todo se ha gestado de forma muy natural. La idea la teníamos ya desde hace tiempo, queríamos añadir metales, percusiones, y conseguir un sonido más brillante. David Lerman supo captar nuestra visión y cómo queríamos transformar las canciones. No fue un trabajo muy largo pero sí intenso porque teníamos una fecha, pero sin ir tampoco contra reloj.

¿Qué diferencias hay entre vuestro disco y vuestro directo?

Precisamente este disco viene a ser una mezcla de ambos. En estudio los temas llevan muchos arreglos y detalles pero siempre procurando no pasarnos, buscando el punto de inflexión que nos permita amoldarnos al otro terreno. Consideramos que el directo es nuestro plato fuerte, gracias a ello nos hemos atrevido con esta grabación, en la que el tener que  concentrarlo todo en una sola toma no nos permitía relajarnos.

¿Lo más inmediato que os toca hacer ahora?

Presentar el disco por todo el país. Y a finales de años empezar el próximo, que esperamos tener acabado para marzo del 2017. Ahora mismo estamos ya componiendo y compaginando lanzamiento y conciertos.

DEVILLE

TORMENTA DE ESTILOS

Desde México nos llega la banda con el sonido más original de los últimos años. Mezclar géneros aparentemente incompatibles no tiene secretos para ellos, y así se les ha reconocido internacionalmente, incluso en el Reino Unido.

Funky, rock, hip hop, pop… ¿os gusta desafiar a quienes se empeñan en ponerle etiquetas a todo?

Sí, lo cierto es que siempre hemos evitado ser etiquetados, no queremos ser definidos por un solo género. Hemos encontrado nuestro propio sonido, basándonos en el funk, con toques de blues, rock y otros estilos. Todo nace de una fusión de pop electrónico y hip hop buscando un equilibrio entre los instrumentos que usamos.

“Money ages” es un single penetrante y muy vigoroso ¿Por qué razón lo escogísteis?

Es un sencillo que nos hizo darnos cuenta de que por fin habíamos alcanzado el punto que queríamos que tuviera nuestro sonido. A partir de ahí fuimos capaces de crecer musicalmente y absorber nuevos géneros.

¿Creéis que el público europeo puede ser incluso más receptivo con vuestro trabajo?

Eso esperamos. Nos hemos animado a hacer gira por España y alrededores. Ya el año pasado estuvimos sonando en BBC Londres y eso nos empujó a venir a Europa.

¿Cómo nació y se orientó la banda hasta lo que hacéis ahora?

Comenzó porque yo agarré gran afición a la guitarra que me compraron mis padres. Descubrí enseguida que era mi instrumento cuando empecé a dar clases con mi primer profesor, que hoy es miembro integrante de la banda. Al principio no teníamos clara la línea a seguir, fue cuestión de evolucionar y reinventarse continuamente.

¿Qué tal es trabajar entre hermanos, algo que por otra parte se da a menudo en el mundo del pop?

Es lo mejor. Sabemos que no nos vamos a fallar el uno al otro y nos entendemos a la perfección. Es la base del origen de la banda, y nuestro apellido representa la unión familiar.

¿Qué otros retos musicales barajáis para el futuro?

Nada específico, pero no estamos cerrados a agarrar cualquier idea y acercarla a nuestro terreno para seguir creciendo.

FOTOS: DEVILLE

JAVIER VILA

UNA VOZ PERSONAL

¿Qué distingue a Javier Vila de otros cantantes solistas?

Creo que aporto una voz distinta y personal, un estilo y unas canciones que se echan en falta en el panorama musical de ahora mismo.

Haces un pop melódico bastante puro y atemporal ¿Era esa la intención desde un principio?

Todo empieza en el momento en que contacto con mi productor. Es él quien me propone moverme y me envía temas. Luego se puso a componer expresamente para el proyecto procurando siempre tener un aire fresco y asequible para todo tipo de público.

Hoy por hoy las tres cuartas partes de la música que se publica en España procede de artistas independientes, como es tu caso, ¿Piensas que la hora de las compañías discográficas ya pasó?

Por suerte hoy tenemos una gran herramienta que son las redes sociales. Nos permiten llegar más rápido y lograr que la gente nos conozca. Es una maravilla que se pueda funcionar así, sin necesidad de más filtros entre el artista y el público.

Tus letras son sobre todo románticas, directas y llenas de sensibilidad sin caer en lo trillado ¿Opinas que el amor sigue siendo un tema inagotable?

Totalmente. Desde que tenemos uso de razón nos estamos fijando en los demás. El amor es lo que mueve el mundo. La música es el idioma universal y el ochenta por ciento de las canciones que se escriben son de amor.

¿Te ves en un futuro haciendo algo diferente como rock, dance o salsa, por ejemplo?

El título de mi disco es Sin límites, lo cual significa que vengo dispuesto a reactivar mi profesión y en un futuro estaría más que dispuesto a probar nuevos estilos siempre y cuando me vea capaz de defenderlos con dignidad.

¿Qué proyectos te traes entre manos en estos momentos?

Lo más inmediato es promocionar al máximo este disco y luchar para trabajar todo lo posible. También estoy centrado en la grabación de los videoclips.

CALLE SALVADOR

PONIENDO EL ALMA EN LA VOZ

Calle Salvador es uno de los grupos que con más fuerza ha irrumpido en el panorama nacional, aportando un toque de romanticismo y de frescura, cosa que se agradece. Si aún no les conoces, ya va siendo hora.

¿Por qué creéis que las canciones de amor siempre funcionan en toda época y lugar?

Porque pensamos que el amor mueve al mundo, el amor está en todas partes y está en casi todos.

¿Qué artistas os han influido a la hora de crear vuestro propio estilo?

Oímos todo tipo de música pero sí es cierto que nos decantamos por artistas pop españoles y latinos como Luís Fonsi, Sin bandera, Camila, Alejandro Sanz o Vanesa Martín entre otros.

¿Cómo hacéis a la hora de repartir las partes que cada uno canta en una canción?

La verdad que cuando vemos el arreglo de la canción ya compuesta, según la parte que fuere, pensamos que puede pegar para una u otra voz en ese fragmento.

¿Ha habido alguna vez discusión al respecto?

Para nada, no somos tan protagonistas, ja, ja, ja.  Nos adaptamos fácilmente.

¿Qué cualidades diríais que aportáis cada uno al grupo con su voz y su modo de interpretar?

La verdad que cada cual tiene su estilo particular. A pesar de gustarnos los mismos estilos y ver de la misma forma la música, nuestro timbre es muy parecido en carácter pero quizá Rober es algo más sentimental.

¿Cómo surgió y se llevó a cabo la colaboración con Chenoa?

La verdad que surgió de una conversación que mantuvimos con Javian, ex concursante del primer OT. Le presentamos la canción y cuando la escuchó no dudó en acceder a colaborar, cosa de admirar, como la gran cantante que es.

¿Qué proyectos tenéis ahora mismo por delante?

Pues ahora mismo, acabar de grabar el nuevo disco que nos tiene bastante emocionados y en el cual no estamos dejando el alma para poder, o al menos intentar, volver a colocarnos en el panorama musical como con el anterior.

¿Por qué creéis que las canciones de amor siempre funcionan en toda época y lugar?

Porque pensamos que el amor mueve al mundo, el amor está en todas partes y está en casi todos.

¿Qué artistas os han influido a la hora de crear vuestro propio estilo?

Oímos todo tipo de música pero sí es cierto que nos decantamos por artistas pop españoles y latinos com

¿Cómo hacéis a la hora de repartir las partes que cada uno canta en una canción?

La verdad que cuando vemos el arreglo de la canción ya compuesta, según la parte que fuere, pensamos que puede pegar para una u otra voz en ese fragmento.

¿Ha habido alguna vez discusión al respecto?

Para nada, no somos tan protagonistas, ja, ja, ja.  Nos adaptamos fácilmente.

¿Qué cualidades diríais que aportáis cada uno al grupo con su voz y su modo de interpretar?

La verdad que cada cual tiene su estilo particular. A pesar de gustarnos los mismos estilos y ver de la misma forma la música, nuestro timbre es muy parecido en carácter pero quizá Rober es algo más sentimental y yo puedo tener algo más de garra.

¿Cómo surgió y se llevó a cabo la colaboración con Chenoa?

La verdad que surgió de una conversación que mantuvimos con Javian, ex concursante del primer OT. Le presentamos la canción y cuando la escuchó no dudó en acceder a colaborar, cosa de admirar, como la gran cantante que es.

¿Qué proyectos tenéis ahora mismo por delante?

Pues ahora mismo, acabar de grabar el segundo disco que nos tiene bastante emocionados y en el cual no estamos dejando el alma para poder, o al menos intentar, volver a colocarnos en el panorama musical como con el anterior.