Lleno absoluto en la presentación de su nuevo y flamante álbum Time goes on. Ya nos habían contado en la entrevista que en el estudio habían grabado todos juntos, tal y como lo hacen en directo; pero una cosa es oírlo y otra comprobar su fuerza sobre el escenario.

Los seis componentes del grupo, más los músicos que les complementaban desgranaron todo el repertorio del disco abarcando los ritmos más variopintos: desde el rock hasta el funky, pasando por el reggae, el folk y el blues. Cada uno de los componentes tuvo ocasión de demostrar su virtuosismo en versiones alargadas especialmente para el directo. 

Destacar también la presencia de artistas invitados que colaboran en el álbum (incluido todo un coro góspel) aportando su toque personal a cada canción. El público vibró, disfrutó, aplaudió y se emocionó con una descarga de buena música. Sin lugar a dudas este concierto supone el pistoletazo de salida de algo grande. Estaremos atentos.

 FOTOS: JAIME LA HOZ

LA FUERZA DEL DIRECTO

Anaut continúa con paso firme afianzándose como una de las bandas más creativas y potentes del panorama nacional. Con un directo contundente y un extenso cóctel de influencias, su música se contagia rápidamente y te trasporta a una época indefinida en la que los sonidos resultaban más genuínos y auténticos. Algo muy de agradecer y que les desmarca de lo que viene siendo la tónica habitual hoy en día.

“Time goes on” se llama vuestro nuevo y flamante álbum ¿Qué diferencias pueden apreciarse entre éste y el anterior?

En este nuevo álbum hemos querido plasmar el sonido y la energía del directo, para ello hemos grabado en un estudio donde podiamos tocar todos a la vez, grabando la base (batería, bajo, guitarra y piano) al mismo tiempo. También una gran diferencia con respecto a nuestro anterior disco, es que este, lo hemos grabado en cinta electromagnética en vez de en formato digital, cosa que se nota en el sonido.

Os gusta ofrecer vuestra música también en formato vinilo. Publicar un single así, y hasta con una cara b interesante, ¿es ante todo un acto de nostalgia?

 Creemos que un single es ese formato, dos temas en un 7 pulgadas, además, al estilo de esas dos canciones le va bastante bien ese sonido añejo, así que lo vimos claro.

Nuestro segundo álbum por ahora solo ha salido en CD y en plataformas digitales, pero dentro de muy poco tendremos un flamante LP

¿Cuáles diríais que son vuestras influencias más claras a la hora de crear vuestro sonido?

Influencias, muchísimas, tantos como miembros de la banda somos y gustos tenemos cada uno. Contínuamente nos estamos recomendando música los unos a los otros, cosa que enriquece mucho. Además de escuchar música de épocas muy diferentes, no tenemos ningún prejuicio ni barrera estilística.

¿Pensáis que quizá vuestro estilo sea más asequible para el público de otros países más  que para el español?

 La verdad que estamos muy contentos con la respuesta que estamos teniendo del público estatal, no creemos que no sea un estilo asequible aquí. Si es cierto, que, en otros países donde la cultura músical es más rica, hay más público que apoya la música en directo.

Vuestra banda es algo numerosa ¿Cuesta mover y poner de acuerdo a todos?

Somos seis en la banda y todos tenemos un objetivo claro. Como es normal y positivo, tenemos nuestras discrepancias pero todos remamos en la misma dirección así que respondiendo a tu pregunta, no, nos cuesta movernos ni ponernos de acuerdo.

¿Qué proyectos tenéis entre manos a corto y a largo plazo?

El proyecto más inmediato es nuestro concierto del próximo 23 de abril en la Joy Eslava, así que invitamos a todo el que lea estas líneas a pasarse por allí, tendremos un artista invitado abriendo el concierto de lujo, varios colaboradores, un coro gospel para varios temas y unas cuantas sorpresas más.

Como proyecto a medio plazo tenemos una gira de salas a partir de septiembre – octubre donde recorreremos toda la península. Y como proyecto a largo plazo seguir haciendo nuestra música y porque no, plantearnos algún día nuestro tercer disco.

FOTOS: JOSE AGUILAR

ESPÍRITU DE LUCHA

Mechanismo es una de las más prometedoras bandas del rock independiente de nuestro país. Su álbum “The Forlorn Hope” es una muestra de pop-rock elaborado, inteligente y con trasfondo. Un disco mimado al detalle que estamos seguros que va a cosechar grandes frutos.

Oyendo vuestra música y viendo vuestros vídeos nadie diría que no sois ingleses ¿Cómo habéis conseguido capturar el espíritu británico con tanta precisión?

Bueno, mi madre es de Salamanca y mi padre escocés (habla Sebastian Maharg, bajista y vocalista) aunque yo nací y me crié en Chicago. Supongo que el ADN británico se percibe, además mi padre me inculcó su amor por los Beatles. También nuestros arreglos se inspiran en grupos como Radiohead, U2, etc.

Aunque habéis firmado contrato editorial con una multinacional como es Warner Chappell seguís siendo una banda independiente ¿No es así?

Sí, Warner es quien controla los derechos editoriales de nuestras canciones en todo el mundo y nos han tratado muy bien desde el principio. Pero nuestro sello discográfico es independiente, trabajamos con una distribuidora alemana llamada Zebralution, incluso hemos hecho una edición promocional, y todo se ha logrado mediante una campaña de crowdfunding.

¿Creéis que el pop, el rock y otros géneros originalmente anglosajones, se han hecho  tan internacionales que una banda procedente de cualquier país puede hacerlo hoy en día con la misma solvencia?

Yo creo que sí, la cultura global lleva ya muchos años permeando a toda la población. Hay grupos absolutamente internacionales de los que es difícil determinar su origen, y luego resultan ser suecos o franceses. Por citar un ejemplo podemos mencionar a los suecos The Cardigans. En España la tendencia es más a cantar en español pero a nosotros nos seduce la idea de viajar y escribir en otros idiomas que podamos dominar.

Habladnos de “The Forlorn Hope” ¿Qué vamos a encontrar en este álbum y cómo se ha gestado?

Pretende ser nuestra “puesta de largo”, una carta de presentación que sirva para consolidarnos y seguir subiendo peldaños. Ha sido grabado por tandas a lo largo de dos años. En una de ellas contamos con la producción de Charlie Bautista y luego con la de Manuel Cabezalí, el resto lo hemos producido nosotros mismos. Cada productor ha brindado su textura a la hora de vestir las canciones. Hubo algún conflicto creativo, el proceso tiene a veces obstáculos así, pero lo interesante es que al final se llega a un resultado que no hubiéramos logrado por nuestra cuenta. Por ejemplo Cabezalí en el tema Afterglow sugirió meter guitarra española, bajar una octava el piano, añadir ciertas síncopas… finalmente consiguió insuflar más vida al tema. Me gustan los discos en los que cada canción tiene un sonido propio, esto se refleja incluso en el libreto donde las letras de cada tema llevan un diseño distinto.

¿Qué significado tiene el título del álbum?

Se trata de una metáfora de la guerra que hace referencia al tono combativo de las canciones, todas  intentan reflejar una cierta tristeza pero no negativa sino con esperanza. También puede hacerse una doble lectura ya que para salir adelante toda banda debe enfrentarse a una lucha constante.

¿Cuándo y dónde presentáis el disco y qué vais a hacer a continuación?

La presentación será el 28 de abril en la sala La Boite de Madrid. Para después estamos cerrando festivales como el Polifonik Sound este verano en Huesca.

FOTOS: MECHANISMO

SOUL SIN FRONTERAS

The Silverbacks, responsables del contenido soul en el sello discográfico Tucxone, nos presentan su último descubrimiento: la cantante australiana Shirley Davis. Que además viene con un sorprendente disco bajo el brazo titulado Black Rose, donde podemos disfrutar de su carismática voz y de un repertorio exquisito y sofisticado. Un regalo para los amantes del buen gusto.
 

Una cantante del otro lado del mundo que se viene a grabar a España ¿Cómo se ha dado esto?

Los de Tucxone Records quedamos prendados de ella cuando la vimos subir al escenario a interpretar un tema durante el concierto que dieron Sharon Jones & The dapkings en Madrid en 2014. Preguntamos su nombre, la buscamos por internet y la hicimos volver a España para ofrecerle un contrato. ¡Así de simple!

Vuestra música es un cóctel de soul, funky y otras influencias, creando un sonido atemporal ¿Cómo lo habéis conseguido?

Yo creo que suena muy como soy yo (afirma Shirley), muy auténtico. Refleja cómo me siento y lo feliz que soy cuando canto. Me gustan los sonidos que exploramos. Habitualmente me solicitan mis registros más agudos, pero esta vez me han permitido utilizar otros recursos de mi voz (incluidos los graves) y me encantan las canciones que me han compuesto.

El repertorio es totalmente nuevo aunque a menudo evoca el estilo de décadas pasadas ¿Cómo ha sido el proceso creativo?

Lo primero fue estudiar a fondo las referencias afines al concepto que buscábamos. Tanto el nuevo soul norteamericano como los clásicos. También hemos absorbido influencias del afrofunk y la música etíope, entre otras. Luego, entre los productores y nuestro letrista habitual, hemos acabado dándole solidez. The Silverbacks somos el equipo que se encarga de todo ese trabajo que hay detrás. Digamos que “todo queda en casa”.

¿Existe en España una estructura suficiente de locales donde tocar y emisoras donde sonar para que vuestra música llegue a un público numeroso?

Sí, por supuesto. Aquí he comprobado que gusta mucho la música en vivo y la gente asiste a bastantes conciertos. Creo que España es un país muy rico en el aspecto musical aunque es cierto que cuesta abrirse hueco cuando se trata del soul y otros géneros que tal vez requerirían de locales más especializados.

¿Y cuándo interpretarás estas canciones en Australia?

Estamos ahora contactando con radios para obtener emisiones allí pero ahora mismo la temporada de festivales acaba de terminar en Australia, tendrá que ser para el año que viene. O sea, cuando allí vuelva a ser verano y aquí invierno.

¿Y en España cuándo hacéis la presentación?

Este sábado 9 de abril en la sala Arena. Y luego seguiremos girando por el resto del país antes de dar el salto a Europa.

 FOTOS: IVAN MARTINEZ SEGOVIA

NUEVE PLANETAS, NUEVE CANCIONES

El pop se vuelve introspectivo y sugerente en el nuevo trabajo de Salvador Tóxico: Catálogo de planetas. Un disco lleno de texturas y matices que hay que paladear lentamente y con la debida atención. Satisfacción garantizada.

Tu estilo se mueve en un terreno resbaladizo entre lo que es puramente pop y lo que es música electrónica, con matices incluso de chill-out. ¿Tú cómo lo definirías… si es que se puede?

Me gusta definirlo como pop. Meterme en etiquetas dentro del pop me cuesta. Cada uno que lo vea como quiera, yo simplemente lo hago.

Sea con la etiqueta que sea, lo que destaca es sobre todo la emotividad a flor de piel que destilan tanto las letras como las melodías, así como en tu interpretación. ¿Hasta qué punto no te importa mostrar tu desnudez o tu fragilidad en tus temas?

Es algo que no puedo evitar. Trabajo solo en casa durante la mayor parte del proceso y no tengo limitaciones a la hora de crear. Pero es cierto que a veces me siento un poco expuesto cuando finalmente todo se muestra al público.

Háblanos de “No”, el primer single que se extrae del álbum ¿Cuánto de ti mismo hay en esa canción?

Puede decirse que un 80% es autobiográfico mientras que el 20% restante fue añadido para “decorar” un poco la historia. Se trata de una canción escrita desde el despecho, aunque por suerte hoy por hoy es un capítulo de mi vida que ya  tengo totalmente superado.

¿Y es “No” una buena representación de lo que vamos a encontrar en el resto de este  “Catálogo de planetas”?

No lo creo. No es un ejemplo claro de la línea del disco. Algunos temas son más guitarreros y otros más electrónicos, de hecho yo soy guitarrista. Estoy seguro de que si tuviera una banda y ensayara en un local, haría algo mucho más guitarrero.

¿Qué diferencia o evolución se puede apreciar entre este disco y el anterior?

“Animalismo” recogía una línea temporal más amplia. Eran temas que había compuesto mientras tocaba con Algora, sin ningún pensamiento por aquel entonces de llegar a publicarlos. En cambio “Catálogo de planetas” es fruto del trabajo de este último año y se trata de un proyecto mucho más concentrado y acabado. Aunque no se trate ni mucho menos de un álbum conceptual, puesto que cada canción ha nacido independientemente, sí que puede apreciarse una cierta coherencia interna, reflejo del momento que estoy viviendo.

Nos ha llamado la atención el original diseño gráfico del disco ¿Cómo surgió?

Es responsabilidad de Mutador, que creó el concepto con ideas propias inspiradas en las canciones. Al ser nueve temas, la simbología con los nueve planetas venía al pelo. Pienso que ha realizado un magnífico trabajo.

¿Y qué estás preparando de cara a la campaña de promoción?

Haremos algún que otro showcase en la fnac y la presentación oficial del disco en Madrid será el próximo 11 de junio en la sala "El sótano" en la calle Las Maldonadas.

FOTOS: CARMEN CANORA

CARRETERA Y MÚSICA

Dani nació con una guitarra bajo el brazo. La necesidad de abrir nuevos horizontes y de luchar contra viento y marea para defender su estilo le convierten en todo un ejemplo digno de admirar. Su nuevo disco: Trails es una auténtica declaración de intenciones a la vez que una especie de libro de bitácora de un viaje inolvidable.

En los tiempos que corren son cada vez menos comunes los álbumes conceptuales ¿Cómo se te ocurrió hacer uno?

En principio no había intención de hacer nada. Me fui de viaje para “desintoxicarme” y al mirar atrás vi que había una historia y decidí hacer este disco. La mayoría de los temas los compuse durante dicho viaje y luego, una vez aquí, escribí el resto para “llenar los huecos”.

¿Cuál es exactamente el nexo que une las canciones? ¿Existe una cronología interna en las letras?

El disco relata todo el viaje desde el primer avión hasta Venice Beach, dos horas antes de pillar el vuelo de vuelta. El nexo es tanto la historia como las emociones que todo aquello me despertó. Efectivamente las canciones guardan una cronología, tanto es así que en directo las hacemos también en el mismo orden.

¿De algún modo aquel fue un viaje iniciático? ¿Se puede decir que te cambió, que existe un antes y un después de alguna manera?

Yo pienso que sí. Me marché en un momento algo oscuro, muy bajo de autoestima y al cabo de tres meses devorando kilómetros, al fin tuve la sensación de haberme quitado de encima las preocupaciones. Todo ese tiempo viajé solo con mi guitarra y la verdad es que la soledad me sentó muy bien y me permitió aclarar mi mente para volver a tener ganas de hacer cosas.

¿No te sientes a veces un poco “marciano” por hacer un tipo de música que realmente tiene poca tradición en nuestro país?

Sí, un poco. Me estuve preguntando si hacía bien en volver a España y abandonar Londres (donde he estado viviendo cinco años antes de hacer la escapada a Estados Unidos) y regresar al seno familiar. Ahora es la prueba de fuego. Toca comprobar si aquí esto puede gustar. Creo que debe existir un nicho para que el nuevo country encuentre su público en nuestro país.

En este caso has usado un viaje como fuente de inspiración ¿Anteriormente te has basado en otros recursos, o tienes pensado alguno para el futuro?

La verdad es que no. Es la primera vez que baso un disco en un concepto. El primer álbum consistió en dar salida a todo el repertorio que llevaba años haciendo. Luego publiqué un EP que era más acústico y en el que incluí unas canciones que quería grabar, mientras que otras se han quedado en la recámara para el próximo proyecto.

¿Qué piensas que debería cambiar en el panorama musical actual, tanto en lo artístico como en lo meramente industrial?

Pues por un lado debería desaparecer el “enchufismo”. Sería más justo que hubiera más oportunidades para todo el mundo y no sólo para los que tienen contactos. También opino que habría que apostar más por la calidad y no mirar tanto los posibles beneficios económicos. Y por último querría que en España se asistiera más a conciertos y hubiera un mayor interés no ya sólo por la música sino por la cultura en general.

¿En qué andas inmerso ahora?

Ahora mismo estamos estudiando si es viable hacer una gira, confeccionado un dossier para enviarlo a todas las salas posibles y planificamos también remover el cubo en Europa, ya que hay países donde este tipo de música tiene bastante popularidad.

FOTOS: CRISTINA MOLINO

RITMO Y MENSAJE

Como pudimos comprobar el pasado 16 de marzo en la sala Costello de Madrid, a Jairo no le faltan aptitudes como cantante, pianista y compositor. Posee demás eso que muchos artistas buscan desesperadamente y no siempre encuentran: un estilo propio. Su carisma personal se despliega canción a canción acaparando constantemente la atención del público durante un concierto que acaba haciéndose corto. Tuvimos la suerte de que nos contara todo lo que hay que saber sobre su nuevo disco: Hombres mejores. 

En este álbum se barajan los sonidos clásicos del género pero variando los ritmos para romper la monotonía y por supuesto con letras de lo más interesante. ¿Cómo definirías el disco?

Es un tanto conceptual. Puede decirse que el tema “Hombres mejores” resume de algún modo el espíritu del resto de canciones, por eso la elegí como título genérico. También es representativa “Si quieres” porque para mí el amor es un eterno ofrecimiento. En este disco he buscado que hubiese cierta coherencia en las temáticas.

En tus letras se observan dos vertientes: una romántica y otra social. ¿Te gusta volcar tus propias reflexiones en tu música?

En realidad es casi la primera vez que me atrevo con temas sociales e incluso políticos. He querido hacerlo sin insultar pero de una forma cañera y divertida. En general las letras de este disco son menos intimistas y más asequibles para la mayoría del público.

En tu vertiente romántica las historias que cuentas suelen tener un sabor agridulce y no parece que acaben demasiado bien. ¿Cuánto de autobiográfico hay en ellas?

En el caso concreto de “Hombres mejores” utilizo un punto de partida real pero luego, al igual que en otros casos, termino mezclando elementos de otras historias. Lo habitual es que acabe solo y echándola de menos pero aun así, en comparación con el disco anterior, éste es de una alegría infinita (risas).

Háblanos de tu colaboración con los Urrutia ¿Cómo surge y qué tal la experiencia?

A Alberto le conocí casualmente en una colaboración que hice con él como pianista y luego le acompañé durante una gira. Grabar su tema “El olor de tu pijama” ha sido un lujo. Cuando me presentó a su hermano Jaime hubo muy buena conexión desde el principio y aceptó encantado la idea de hacer un dueto. Así que estoy muy feliz de contar con la colaboración de ambos ya que siempre fui muy fan de Gabinete Caligari.

No son buenos tiempos para el rock ¿a pesar de todo crees que merece la pena el sacrifico que conlleva dedicarse a ello plenamente?

Yo llevo ya siete años en Madrid, he tenido que renunciar a mi tierra pero gracias a ello he podido tocar en muchos locales y acompañar a magníficos músicos, aparte de llevar adelante mi proyecto personal. Pienso que actualmente en este mundillo hay poca inversión y que el trabajo del artista está muy infravalorado.

¿Y tus proyectos más inmediatos son…?

Pues ahora mismo exprimir los conciertos con este disco lo máximo posible por todo el país e incluso intentar dar el salto a Latinoamérica, donde también conozco a muchos músicos.

LA INSPIRACIÓN VIENE SOLA

Joven y con mucha energía, Javo se nos revela como un auténtico profesional que da la impresión de llevar muchísimos años en este mundillo. Su seguridad en el escenario y delante de las cámaras va unida a un repertorio sólido y muy bien construido. ¡O mucho nos equivocamos o aquí hay Javo para rato! 

Escuchándote uno se retrotrae a los ochenta, cuando la música en España era mucho más creativa que ahora. Pero a tu edad… ¿qué influencias te han llegado de aquellas décadas?

Pues, por medio de mis padres conocí a Michael Jackson y a Elvis. Luego ya me pasé a descubrimientos propios como Bad Religion, pero lo que marcó un antes y un después en mi vida fue un concierto de Estopa. Quedé impregnado de aquella energía.

Tus canciones dan a menudo la impresión de ser un verdadero ejercicio de catarsis ¿Te sirven para desahogarte a gusto?

De hecho empecé así. Escribí un diario para plasmar mis pensamientos y un buen día con una guitarra comencé a unir notas, mi novia de aquel entonces lloró cuando se lo enseñé. Con el tiempo componer canciones se ha convertido para mí en algo necesario, un auténtico vicio.

¿Y cómo suelen nacer? ¿Qué es lo primero que haces a la hora de crear una canción?

¡Eso lo deciden ellas! Parece como si ya estuviesen escritas y de pronto yo las descubriera. Me puedo pasar una noche en vela tratando de crear algo sin conseguirlo y de pronto estoy en el coche y me viene la inspiración sola, no se sabe de dónde.

¿Qué novedades aporta este disco con respecto a tu trabajo anterior?

Sobre todo es más rockero, tiene mucha energía. He cuidado mucho las letras, valoro a los artistas que lo hacen. Yo le doy una gran importancia a la retórica y a la picaresca. El primer single, escogido por aclamación popular, es Dónde está el amor, que ejemplifica a la perfección el espíritu canalla y a la vez romántico que se desprende del disco.

¿Dónde te ves dentro de diez años?

Me veo tocando y transmitiendo como ahora. Me gustaría además ir aumentando cada vez más el público que me sigue y poder incluso dar el salto a Latinoamérica. Yo soy cantante, compositor y director de mi propia carrera, y tal y como está el patio sólo existen dos opciones: quejarse o actuar. Obviamente prefiero ser de los que actúan.

¿Y ahora mismo en qué andas embarcado?

Por un lado estoy inmerso en la gira de presentación del disco y por otro estoy dando unas charlas de autosuperación en centros escolares, sacando así algo bueno de los momentos duros que viví en el pasado. Es algo que surgió pensando en un nuevo formato para poder dar “conciertos de día”. Podéis estar al tanto de todo lo que hago siguiéndome en Facebook (Javo) y en Instagram (Javo_oficial).

ENGARZANDO CULTURAS

“No más canciones tristes” se titula el nuevo álbum de este cantautor alejado de etiquetas convencionales. En él nos ofrece un ramillete de temas que van desde la canción melódica hasta la ranchera pasando por el bolero y lo que se le ponga por delante. Un disco que se disfruta de principio a fin.

¿Qué se esconde bajo el quizá algo irónico título de “No más canciones tristes”?

Es como una consigna lanzada al viento para contener la tentación de la melancolía. Creo que refleja bastante bien el sentido general del disco aunque la idea nació primero simplemente como título para la canción homónima.

Encontramos muchos y muy diferentes ritmos y estilos a lo largo del álbum ¿A qué se debe tanta variedad?

Buscaba una relación directa con la música que se hace en Latinoamérica y que estuve absorbiendo durante mis giras por Colombia, Argentina, Perú… Al proyecto se han ido sumando músicos que encontré por el camino. De todos modos considero que es un álbum un tanto austero en la producción pero muy rico emocionalmente.

¿Quiénes son estos músicos que han colaborado contigo y qué te han aportado?

Sobre todo mucha luz. Alejo García, por ejemplo, es un gran artista de Medellín con el que he grabado dos temas. Zaira Franco, de Ciudad de México, me acompaña en “Jamás me curaré”. Pablo Grinjot es un excelente músico de Buenos Aires con el que ya  colaboré en algunos conciertos en Argentina y Sylvia Patricia, de Bahía, aporta su voz y su bella composición “Meus olhos”.

¿Hasta qué punto tus letras reflejan tu propia personalidad?

Algunas de ellas están escritas desde lo emocional o afectivo mientras que otras son quizá más mentales y racionales. “Jamás me curaré” por ejemplo habla de un amor imposible, es una narración visceral mientras que “Mi moto” es más bien un tema lúdico. En el momento en que las escribo no soy particularmente consciente de que esto sea así, simplemente las ideas van surgiendo.

La industria musical actual no apoya demasiado a los nuevos cantautores. Como decían Golpes Bajos en los ochenta ¿crees que corren “malos tiempos para la lírica”?

Pienso que la etiqueta de “cantautor” está ya algo gastada. A Alejo García le gusta usar el término “cancionista” para evitar la imagen tópica del cantautor de los sesenta, guitarra en mano y proclamando consignas. Yo pienso que cada cantante es un mundo y que no hay que dejarse influenciar por roles que fueron muy importantes en otra época pero que hoy ya están caducos.

¿Cuáles son tus próximos proyectos a corto y largo plazo?

Ahora mismo presentar el disco en toda España, en algunos locales con toda la banda y en otros en formato acústico. En Madrid será este sábado 20 en Espacio Ronda. Después tocará ya ir pensando en llevarlo a Latinoamérica. Para estar al tanto de todo basta con visitar la web danielcros.com o mi página de Facebook danielcrosmusica.

EL PODER DE UNA CANCIÓN

La cantautora mallorquina estuvo recientemente en Madrid presentando su álbum Luces sobre el mar. Un trabajo concienzudo en el que se nota que cada canción ha sido mimada con cariño para conseguir un resultado tan cálido y tan natural que es como tener una conversación con tu mejor amiga.

¿Qué dirías que es para ti la música? ¿Una afición, un trabajo, un modo de expresarte, una forma de vida, una necesidad…?

 Para mí la música es vital. Necesito escribir y cantar tanto como respirar. Desde pequeña siempre me ha resultado más fácil escribir las cosas que contárselas a alguien. Se trata de algo muy introspectivo, a través de las canciones consigo soltarlo todo.

Háblanos de “Luces en el mar”, un disco intenso y muy intimista. ¿Cuánto de ti hay en cada canción?

¡Todo! Todas ellas son parte de mí. Nunca invento historias, siempre son instantes de mi vida hechos canción. Las que forman este disco recogen diversas etapas que abarcan desde el 2010 hasta el 2015. En cuanto al estilo creo que se puede definir como folk-pop.

¿Qué parte del trabajo te gusta más, crear las canciones o interpretarlas ante el público?

Ambas me gustan mucho, son sensaciones distintas. Crear una canción de la nada, poder expresarte a tu manera… me encanta. Pero por otro lado, transmitir al público una emoción provoca un momento irrepetible y diferente cada vez.

¿Qué distingue a Victoria Lerma de otros cantautores?

Cada uno es diferente. Se tiende mucho a imitar ciertos modelos, pero yo procuro cuidar mi propio estilo y aprender de mis errores para seguir evolucionando por mi propio camino. Escucho sobre todo mucha música anglosajona: Peter Bradley, Damien Rice, Norah Jones, Glen Hansard… y de los españoles mi favorito es Antonio Vega.

¿Se puede trabajar con libertad dentro de la industria discográfica?

Bueno, en mi caso desde luego tengo que decir que sí. Estoy en una compañía independiente que me permite decidirlo todo: portada, repertorio, vídeos… con lo cual he logrado hacer un trabajo muy personal gracias a la confianza que han depositado en mí.

¿Y qué va a ser lo próximo?

Hemos acabado el rodaje del videoclip de “Perder el equilibrio” que será el próximo single extraído del álbum y esperamos os guste tanto como “Destino amarte”. Para saber mis movimientos lo mejor es seguirme a través de Facebook: victorialermamusica y twitter: victoria_lerma.