ANAUT TRIUNFÓ EN LA JOY ESLAVA

Lleno absoluto en la presentación de su nuevo y flamante álbum Time goes on. Ya nos habían contado en la entrevista que en el estudio habían grabado todos juntos, tal y como lo hacen en directo; pero una cosa es oírlo y otra comprobar su fuerza sobre el escenario.

Los seis componentes del grupo, más los músicos que les complementaban desgranaron todo el repertorio del disco abarcando los ritmos más variopintos: desde el rock hasta el funky, pasando por el reggae, el folk y el blues. Cada uno de los componentes tuvo ocasión de demostrar su virtuosismo en versiones alargadas especialmente para el directo. 

Destacar también la presencia de artistas invitados que colaboran en el álbum (incluido todo un coro góspel) aportando su toque personal a cada canción. El público vibró, disfrutó, aplaudió y se emocionó con una descarga de buena música. Sin lugar a dudas este concierto supone el pistoletazo de salida de algo grande. Estaremos atentos.

 FOTOS: JAIME LA HOZ

ANAUT

LA FUERZA DEL DIRECTO

Anaut continúa con paso firme afianzándose como una de las bandas más creativas y potentes del panorama nacional. Con un directo contundente y un extenso cóctel de influencias, su música se contagia rápidamente y te trasporta a una época indefinida en la que los sonidos resultaban más genuínos y auténticos. Algo muy de agradecer y que les desmarca de lo que viene siendo la tónica habitual hoy en día.

“Time goes on” se llama vuestro nuevo y flamante álbum ¿Qué diferencias pueden apreciarse entre éste y el anterior?

En este nuevo álbum hemos querido plasmar el sonido y la energía del directo, para ello hemos grabado en un estudio donde podiamos tocar todos a la vez, grabando la base (batería, bajo, guitarra y piano) al mismo tiempo. También una gran diferencia con respecto a nuestro anterior disco, es que este, lo hemos grabado en cinta electromagnética en vez de en formato digital, cosa que se nota en el sonido.

Os gusta ofrecer vuestra música también en formato vinilo. Publicar un single así, y hasta con una cara b interesante, ¿es ante todo un acto de nostalgia?

 Creemos que un single es ese formato, dos temas en un 7 pulgadas, además, al estilo de esas dos canciones le va bastante bien ese sonido añejo, así que lo vimos claro.

Nuestro segundo álbum por ahora solo ha salido en CD y en plataformas digitales, pero dentro de muy poco tendremos un flamante LP

¿Cuáles diríais que son vuestras influencias más claras a la hora de crear vuestro sonido?

Influencias, muchísimas, tantos como miembros de la banda somos y gustos tenemos cada uno. Contínuamente nos estamos recomendando música los unos a los otros, cosa que enriquece mucho. Además de escuchar música de épocas muy diferentes, no tenemos ningún prejuicio ni barrera estilística.

¿Pensáis que quizá vuestro estilo sea más asequible para el público de otros países más  que para el español?

 La verdad que estamos muy contentos con la respuesta que estamos teniendo del público estatal, no creemos que no sea un estilo asequible aquí. Si es cierto, que, en otros países donde la cultura músical es más rica, hay más público que apoya la música en directo.

Vuestra banda es algo numerosa ¿Cuesta mover y poner de acuerdo a todos?

Somos seis en la banda y todos tenemos un objetivo claro. Como es normal y positivo, tenemos nuestras discrepancias pero todos remamos en la misma dirección así que respondiendo a tu pregunta, no, nos cuesta movernos ni ponernos de acuerdo.

¿Qué proyectos tenéis entre manos a corto y a largo plazo?

El proyecto más inmediato es nuestro concierto del próximo 23 de abril en la Joy Eslava, así que invitamos a todo el que lea estas líneas a pasarse por allí, tendremos un artista invitado abriendo el concierto de lujo, varios colaboradores, un coro gospel para varios temas y unas cuantas sorpresas más.

Como proyecto a medio plazo tenemos una gira de salas a partir de septiembre – octubre donde recorreremos toda la península. Y como proyecto a largo plazo seguir haciendo nuestra música y porque no, plantearnos algún día nuestro tercer disco.

FOTOS: JOSE AGUILAR

MECHANISMO

ESPÍRITU DE LUCHA

Mechanismo es una de las más prometedoras bandas del rock independiente de nuestro país. Su álbum “The Forlorn Hope” es una muestra de pop-rock elaborado, inteligente y con trasfondo. Un disco mimado al detalle que estamos seguros que va a cosechar grandes frutos.

Oyendo vuestra música y viendo vuestros vídeos nadie diría que no sois ingleses ¿Cómo habéis conseguido capturar el espíritu británico con tanta precisión?

Bueno, mi madre es de Salamanca y mi padre escocés (habla Sebastian Maharg, bajista y vocalista) aunque yo nací y me crié en Chicago. Supongo que el ADN británico se percibe, además mi padre me inculcó su amor por los Beatles. También nuestros arreglos se inspiran en grupos como Radiohead, U2, etc.

Aunque habéis firmado contrato editorial con una multinacional como es Warner Chappell seguís siendo una banda independiente ¿No es así?

Sí, Warner es quien controla los derechos editoriales de nuestras canciones en todo el mundo y nos han tratado muy bien desde el principio. Pero nuestro sello discográfico es independiente, trabajamos con una distribuidora alemana llamada Zebralution, incluso hemos hecho una edición promocional, y todo se ha logrado mediante una campaña de crowdfunding.

¿Creéis que el pop, el rock y otros géneros originalmente anglosajones, se han hecho  tan internacionales que una banda procedente de cualquier país puede hacerlo hoy en día con la misma solvencia?

Yo creo que sí, la cultura global lleva ya muchos años permeando a toda la población. Hay grupos absolutamente internacionales de los que es difícil determinar su origen, y luego resultan ser suecos o franceses. Por citar un ejemplo podemos mencionar a los suecos The Cardigans. En España la tendencia es más a cantar en español pero a nosotros nos seduce la idea de viajar y escribir en otros idiomas que podamos dominar.

Habladnos de “The Forlorn Hope” ¿Qué vamos a encontrar en este álbum y cómo se ha gestado?

Pretende ser nuestra “puesta de largo”, una carta de presentación que sirva para consolidarnos y seguir subiendo peldaños. Ha sido grabado por tandas a lo largo de dos años. En una de ellas contamos con la producción de Charlie Bautista y luego con la de Manuel Cabezalí, el resto lo hemos producido nosotros mismos. Cada productor ha brindado su textura a la hora de vestir las canciones. Hubo algún conflicto creativo, el proceso tiene a veces obstáculos así, pero lo interesante es que al final se llega a un resultado que no hubiéramos logrado por nuestra cuenta. Por ejemplo Cabezalí en el tema Afterglow sugirió meter guitarra española, bajar una octava el piano, añadir ciertas síncopas… finalmente consiguió insuflar más vida al tema. Me gustan los discos en los que cada canción tiene un sonido propio, esto se refleja incluso en el libreto donde las letras de cada tema llevan un diseño distinto.

¿Qué significado tiene el título del álbum?

Se trata de una metáfora de la guerra que hace referencia al tono combativo de las canciones, todas  intentan reflejar una cierta tristeza pero no negativa sino con esperanza. También puede hacerse una doble lectura ya que para salir adelante toda banda debe enfrentarse a una lucha constante.

¿Cuándo y dónde presentáis el disco y qué vais a hacer a continuación?

La presentación será el 28 de abril en la sala La Boite de Madrid. Para después estamos cerrando festivales como el Polifonik Sound este verano en Huesca.

FOTOS: MECHANISMO

SHIRLEY DAVIS & THE SILVERBACKS

SOUL SIN FRONTERAS

The Silverbacks, responsables del contenido soul en el sello discográfico Tucxone, nos presentan su último descubrimiento: la cantante australiana Shirley Davis. Que además viene con un sorprendente disco bajo el brazo titulado Black Rose, donde podemos disfrutar de su carismática voz y de un repertorio exquisito y sofisticado. Un regalo para los amantes del buen gusto.
 

Una cantante del otro lado del mundo que se viene a grabar a España ¿Cómo se ha dado esto?

Los de Tucxone Records quedamos prendados de ella cuando la vimos subir al escenario a interpretar un tema durante el concierto que dieron Sharon Jones & The dapkings en Madrid en 2014. Preguntamos su nombre, la buscamos por internet y la hicimos volver a España para ofrecerle un contrato. ¡Así de simple!

Vuestra música es un cóctel de soul, funky y otras influencias, creando un sonido atemporal ¿Cómo lo habéis conseguido?

Yo creo que suena muy como soy yo (afirma Shirley), muy auténtico. Refleja cómo me siento y lo feliz que soy cuando canto. Me gustan los sonidos que exploramos. Habitualmente me solicitan mis registros más agudos, pero esta vez me han permitido utilizar otros recursos de mi voz (incluidos los graves) y me encantan las canciones que me han compuesto.

El repertorio es totalmente nuevo aunque a menudo evoca el estilo de décadas pasadas ¿Cómo ha sido el proceso creativo?

Lo primero fue estudiar a fondo las referencias afines al concepto que buscábamos. Tanto el nuevo soul norteamericano como los clásicos. También hemos absorbido influencias del afrofunk y la música etíope, entre otras. Luego, entre los productores y nuestro letrista habitual, hemos acabado dándole solidez. The Silverbacks somos el equipo que se encarga de todo ese trabajo que hay detrás. Digamos que “todo queda en casa”.

¿Existe en España una estructura suficiente de locales donde tocar y emisoras donde sonar para que vuestra música llegue a un público numeroso?

Sí, por supuesto. Aquí he comprobado que gusta mucho la música en vivo y la gente asiste a bastantes conciertos. Creo que España es un país muy rico en el aspecto musical aunque es cierto que cuesta abrirse hueco cuando se trata del soul y otros géneros que tal vez requerirían de locales más especializados.

¿Y cuándo interpretarás estas canciones en Australia?

Estamos ahora contactando con radios para obtener emisiones allí pero ahora mismo la temporada de festivales acaba de terminar en Australia, tendrá que ser para el año que viene. O sea, cuando allí vuelva a ser verano y aquí invierno.

¿Y en España cuándo hacéis la presentación?

Este sábado 9 de abril en la sala Arena. Y luego seguiremos girando por el resto del país antes de dar el salto a Europa.

 FOTOS: IVAN MARTINEZ SEGOVIA

SALVADOR TÓXICO

NUEVE PLANETAS, NUEVE CANCIONES

El pop se vuelve introspectivo y sugerente en el nuevo trabajo de Salvador Tóxico: Catálogo de planetas. Un disco lleno de texturas y matices que hay que paladear lentamente y con la debida atención. Satisfacción garantizada.

Tu estilo se mueve en un terreno resbaladizo entre lo que es puramente pop y lo que es música electrónica, con matices incluso de chill-out. ¿Tú cómo lo definirías… si es que se puede?

Me gusta definirlo como pop. Meterme en etiquetas dentro del pop me cuesta. Cada uno que lo vea como quiera, yo simplemente lo hago.

Sea con la etiqueta que sea, lo que destaca es sobre todo la emotividad a flor de piel que destilan tanto las letras como las melodías, así como en tu interpretación. ¿Hasta qué punto no te importa mostrar tu desnudez o tu fragilidad en tus temas?

Es algo que no puedo evitar. Trabajo solo en casa durante la mayor parte del proceso y no tengo limitaciones a la hora de crear. Pero es cierto que a veces me siento un poco expuesto cuando finalmente todo se muestra al público.

Háblanos de “No”, el primer single que se extrae del álbum ¿Cuánto de ti mismo hay en esa canción?

Puede decirse que un 80% es autobiográfico mientras que el 20% restante fue añadido para “decorar” un poco la historia. Se trata de una canción escrita desde el despecho, aunque por suerte hoy por hoy es un capítulo de mi vida que ya  tengo totalmente superado.

¿Y es “No” una buena representación de lo que vamos a encontrar en el resto de este  “Catálogo de planetas”?

No lo creo. No es un ejemplo claro de la línea del disco. Algunos temas son más guitarreros y otros más electrónicos, de hecho yo soy guitarrista. Estoy seguro de que si tuviera una banda y ensayara en un local, haría algo mucho más guitarrero.

¿Qué diferencia o evolución se puede apreciar entre este disco y el anterior?

“Animalismo” recogía una línea temporal más amplia. Eran temas que había compuesto mientras tocaba con Algora, sin ningún pensamiento por aquel entonces de llegar a publicarlos. En cambio “Catálogo de planetas” es fruto del trabajo de este último año y se trata de un proyecto mucho más concentrado y acabado. Aunque no se trate ni mucho menos de un álbum conceptual, puesto que cada canción ha nacido independientemente, sí que puede apreciarse una cierta coherencia interna, reflejo del momento que estoy viviendo.

Nos ha llamado la atención el original diseño gráfico del disco ¿Cómo surgió?

Es responsabilidad de Mutador, que creó el concepto con ideas propias inspiradas en las canciones. Al ser nueve temas, la simbología con los nueve planetas venía al pelo. Pienso que ha realizado un magnífico trabajo.

¿Y qué estás preparando de cara a la campaña de promoción?

Haremos algún que otro showcase en la fnac y la presentación oficial del disco en Madrid será el próximo 11 de junio en la sala "El sótano" en la calle Las Maldonadas.

FOTOS: CARMEN CANORA